Edition Angewandte

Operative Fiction: Neue Erzählstrategien

Mit Fiction Fiction entwickeln die bildende Künstlerin Elena Peytchinska und der Dichter Thomas Ballhausen ihre sprachkünstlerische Auseinandersetzung mit Raum und Sprache sowie mit der Verflechtung von Zeichnung und Literatur weiter. Standen in den Bänden FAUNA (2018) und FLORA (2020) Strategien der Annäherung zwischen den Künsten und den Naturwissenschaften unter sprachkünstlerischen Prämissen im Vordergrund, so folgt nun eine konsequente Befragung der Wechselbeziehung zwischen der science der fiction und der fiction der sciences.

Fiction Fiction stellt im Zusammenspiel der Künste das relationale, praxisorientierte Modell einer sogenannten Operative Fiction vor, das dem vermeintlich undenkbaren Anderen nicht nur begegnet – sondern es als aktiven und notwendigen Teil in den Denk- und Schaffensprozess einbindet.

• Literatur und/als künstlerische Forschung, anknüpfend an FAUNA (2018) und FLORA (2020)
• Künstlerische Reflexion aktueller Philosophie und ihrer gesellschaftskritischen Kontexte; Zeichnungen und Sprachkunst als Buchobjekt
• Mit Beiträgen von Lucia D’Errico, Sabina Holzer, Elisabeth Schäfer und Ferdinand Schmatz

Körper – Kunst – Performance – Philosophie

Diese Anthologie ist dem Themenkomplex Körper gewidmet – Körper, an den Übergängen, Schwellen und Rändern des Lebens, werden in ihrer künstlerischen, politischen und existenziellen Dimension diskutiert. In einer künstlerisch-philosophischen Betrachtung der Überschneidung von Performance Practices und Life Practices geht es um Prozesse des Entstehens, Überlebens und Vergehens, um den Blüten der Bio- und Nekropolitik nachzuspüren.

Das Buch nimmt performative (Lebens-)Zyklen und ihre zeitliche Dimension in den Blick, betont mit „Thresholding“ den Moment des Verweilens an einer Schwelle oder einem Übergang und spinnt ein relationales Textgeflecht: Mariella Greil versammelt Beiträge aus den Bereichen Performance, Aktivismus, Psychoanalyse und zeitgenössischer Tanz. Inhalt und Form gehen eine besondere Verbindung ein.

• Anknüpfend an die Publikation Being in Contact: Encountering a Bare Body (2021)
• Ein vielschichtiges Buchobjekt mit transparentem Schutzumschlag, Recycling- und Transparentpapier, Einlegeblatt und offener Fadenheftung
• Mit Beiträgen von Fiona Bannon, Ashon Crawley, Gurur Ertem, Rebecca Hilton, Pavlos Kountouriotis u. a.

Denken – Sprechen – Hören: Ein Werkporträt

Das Hören bzw. der Klang der gesprochenen Sprache bildet einen fließenden, zuweilen auch gebrochenen Akt der Veränderung in der Zeit. Gleichzeitig nehmen Mündlichkeit bzw. menschliche Stimmen auch Raum ein, schaffen neue Orte und unterliegen somit einer Situiertheit. Die Publikation bringt den Aufführungscharakter der Stimme und die verbindende, räumliche Qualität von Klang im Medium Buch zur Darstellung und präsentiert Arbeiten der bildenden Künstlerin Ricarda Denzer aus den letzten zehn Jahren.

Ausgangspunkt ist die These, dass das Denken eine Stimme und diese einen Körper hat. Das Hören als physischer, performativer Akt wird als kreativer Prozess der „Weltwerdung“, als Teilhabe an der Welt, verstanden. Das Buch geht den Fragen nach, wie wir denken, wie wir erinnern, wie wir uns mit der Welt in Beziehung setzen.

• Ein Überblick über das künstlerische Schaffen von Ricarda Denzer (Werke 2013–2023)
• Künstlerische Praxis als situiertes Zuhören; experimentelle künstlerische Ansätze aus Sound und Voice Studies

• Mit Beiträgen von Fouad Asfour, Christa Benzer, Ricarda Denzer, Christiane Erharter, Christian Höller, Brandon LaBelle und Jaimini Patel

Vielfalt in der künstlerischen Forschung

Dieses Buch versammelt die Ergebnisse des Octopus Programme – ein innovatives Fellowship im Bereich der künstlerischen Forschung. Es entstand ein internationales Netzwerk aus elf Institutionen, mit ausgewählten Teilnehmer:innen aus Europa, dem Mittelmeerraum und Afrika, mit zahlreichen Veranstaltungen, Workshops und Ausstellungen.

Durch die Förderung internationaler Kollaborationen wurden neue kritische Perspektiven entwickelt, zur Untersuchung der Vielfalt künstlerischer Forschung und Praxis in unterschiedlichen Kontexten – im akademischen und nicht akademischen Bereich, innerhalb und außerhalb von Institutionen oder in Bezug auf Ressourcen. Damit rücken nicht nur unterschiedliche kuratorische Modelle, sondern auch unterschiedliche Modelle der Wissensproduktion in den Fokus.

• Künstlerische Forschung und Zusammenarbeit zwischen Akademien, Kunstinstitutionen, Studierenden, Expert:innen
• Kuratorische Präsentationsformen, Forschungs- und Dokumentationsprozesse, progressive Bildungsmethodik
• Beiträge von Ruth Anderwald / Leonhard Grond, Jonatan Habib Engqvist, Maria Lantz, Barbara Putz-Plecko, Johan Thom u. a.

Geometrie, Physik und Biologie verstehen

Das vorliegende Buch ist ein lehrreiches und reich bebildertes Sachbuch, das naturwissenschaftliche Inhalte auf anschauliche und verständliche Weise vermittelt. Anhand zahlreicher Beispiele erläutert es Themen aus Geometrie, Physik und Biologie und zeigt Gemeinsamkeiten zwischen den Disziplinen auf. Das Buch enthält rund 300 Links zu Videoanimationen; weiters steht eine frei zugängliche interaktive Software zur Verfügung, zur weiteren Vertiefung der Inhalte.

Die Inhalte des Buches, die Videos und die Software wurden am Institut für Geometrie an der Universität für angewandte Kunst Wien entwickelt: Georg Glaeser forscht insbesondere zu interdisziplinären mathematischen und biologischen Fragestellungen und arbeitete viele Jahre gemeinsam mit Franz Gruber, einem Meister im Visualisieren komplexer Sachverhalte.

• Enthält Links zu rund 300 Videoanimationen, abrufbar über QR-Codes
• Kompakte, informative und leicht verständliche Erklärungen zu naturwissenschaftlichen Fragestellungen aus den Bereichen Geometrie, Physik und Biologie
• Mit zahlreichen Abbildungen und Illustrationen

Neue interdisziplinäre Bildungsforschung

Angesichts der aktuellen Anforderungen an Schule und Unterricht und der damit verbundenen Herausforderungen, in einer zunehmend komplexen und unbeständigen Welt, müssen neue und visionäre Bildungswege eingeschlagen und neue Bildungskonzepte entwickelt werden. Interdisziplinäre Zusammenarbeit als Teil der Lehrpläne kann dabei essenziell sein, um unbekannte Möglichkeitsräume für Bildung zu eröffnen.

EDU:TRANSVERSAL No. 02/2024 präsentiert transversale Forschungsergebnisse, gibt Einblicke in innovative Projekte und stellt fächerverbindende Praxen aus Schule und Hochschule vor. In den Beiträgen werden etwa Themen wie das digitale Bildarchiv als Lehr- und Lernraum im Kunst- und Deutschunterricht oder das Potenzial von Memes zur Förderung kritischer Meinungsbildung im Internet im Kunst- und Politikunterricht verhandelt.

• Zweite Ausgabe des Periodikums zur transversalen Forschung im Bildungswesen
• State of the Art interdisziplinärer Forschung in der Fachdidaktik
• Mit Beiträgen von Alessandra Bellissimo, Julia Fromm, Eva Greisberger, Maria Mogy, Gudrun Ragossnig, Eva-Maria Schitter, Birke Sturm, Petra Weixelbraun u. a.

Wider das Regime der Akkumulation und Abstraktion

Die Anthologie untersucht das Spannungsverhältnis zwischen Abstraktion und Ökonomie aus Perspektiven der Kunst, Kunsttheorie, Kunstgeschichte sowie Recht, Soziologie, Philosophie und Ökonomie. Sie stellt Fragen zu aktuellen Herausforderungen einer globalen kapitalistischen Wirtschaft mit Anspruch auf expansives Wachstum im Verhältnis zu Ästhetik, Technologie und Demokratie.

In theoretischen und künstlerischen Beiträgen wird das Verhältnis von Abstraktion und Ökonomie diskutiert. Im Fokus stehen die Frage nach der Rolle der Kunst zwischen Konkretion und Abstraktion, formalistische Ansätze der Kunsttheorie sowie soziale und ökonomische Aspekte, um dem ästhetischen Regime des Kapitalismus auf die Spur zu kommen. Wie können künstlerisch-ästhetische Praktiken dem Regime der Akkumulation und Abstraktion entgegenwirken?

• Bildende Kunst im sozioökonomischen Kontext
• Reflexion der Beziehung von Abstraktion und Ökonomie aus kapitalismuskritischer, dekolonialer, ökologischer und queer-feministischer Perspektive
• Beiträge von Brenna Bhandar, Christina von Braun, Sabeth Buchmann, Denise Ferreira da Silva, Sven Lütticken, R. H. Quaytman, Marina Vishmidt u. a.

Blick ins Buch

Historische Aufarbeitung – Universitätsgeschichte

Als die Wiener Kunstgewerbeschule 1941 zur Reichshochschule erhoben wurde, feierte sie sich als einzigartigen „Sonderfall“ im nationalsozialistischen Universitätswesen. Ausgehend von neuesten Forschungen, zeichnet diese Studie die wechselhafte Geschichte der heutigen Universität für angewandte Kunst Wien im Austrofaschismus, Nationalsozialismus und in den Nachkriegsjahren nach.

Das Buch gibt umfassende Einblicke in Kunstsammlung und Archiv der Universität für angewandte Kunst Wien und untersucht die Geschichte dieser Wiener Kunstinstitution, ihre Klassen und Werkstätten sowie ihre Lehrenden und Studierenden. Dabei stellen sich Fragen nach politischen, kulturellen und künstlerischen Zäsuren sowie Kontinuitäten im Wandel demokratischer und faschistischer Strukturen, die die Universität von 1933 bis 1955 prägten.

• Kritische Institutionengeschichte im kulturpolitischen Kontext
• Forschungsbeitrag zur Wiener Moderne und österreichischen Zeitgeschichte
• Mit einer umfangreichen Chronologie mit Biografien von Künstler:innen und einem großzügig bebilderten, kommentierten Katalogteil mit ausgewählten Beispielen (Kunstwerke, Archivalien, Quellen)

Blick ins Buch

Kunst als experimentelle und reflexive kommunikative Praxis

Die Publikation präsentiert und dokumentiert 16 Jahre künstlerische Lehre und Forschung an der Abteilung Kunst und kommunikative Praxis der Universität für angewandte Kunst Wien. Sie veranschaulicht den spezifischen Ansatz einer künstlerischen Lehre in unterschiedlichen medialen Feldern, aufbauend auf der künstlerischen Praxis einzelner Lehrender.

Anhand von Best-Practice-Beispielen und vielfältigen innovativen Projekten wird sichtbar, welche Handlungs- und Reflexionsräume die einzelnen künstlerischen Zugänge in ihrem Zusammenspiel eröffnen. Die Beiträge loten aus, welche spezifischen Potenziale ein Lehren „von Kunst aus“ für Bildungsprozesse, Selbsterfahrung, Welterfahrung, kritische Reflexions- und Handlungsfähigkeit sowie die Produktion von Wissen eröffnet.

Blick ins Buch

• Ungewöhnliche Einblicke in die Vielfalt und das Zusammenwirken künstlerischer Praxisformen
• Aktuelle Beispiele zur gesellschaftlichen Relevanz künstlerischer Forschung
• Aufwendig gestaltetes Buchobjekt; erscheint gemeinsam mit der Publikation Geografien des Textilen. Lehren als künstlerische Praxis

Zwischen belebter und unbelebter Materie

Das Buch präsentiert künstlerische und theoretische Positionen, die sich mit der Dynamik von und den Übergängen zwischen belebter und unbelebter Materie auseinandersetzen. Anknüpfend an die Ausstellung Holobiont: Life Is Other (Bregenz/Wien, 2021/2022), wird untersucht, wie Kunst, Philosophie, Technowissenschaften den Begriff des Lebendigen destabilisieren und erweitern. Wie entwickeln sich biologische Entitäten, Maschinen, Medien, Architekturen, Netzwerke symbiotisch im Kontext biotechnologischer Möglichkeiten und ökologischer Herausforderungen?

Die Holobiont-Theorie der Biologin Lynn Margulis eröffnet neue Perspektiven auf das Leben als kooperatives, ganzheitliches System: „Anderes“ wird nicht assimiliert, integriert; es bleibt in seiner Unverfügbarkeit und Eigenheit bewahrt, während neue Verbindungen entstehen.

Blick ins Buch

• Auswahl aktueller künstlerischer Werke zu a/biotischen Prozessen
• Kontextualisierung durch zeitgenössische Theoretiker:innen und Künstler:innen
• Beiträge von Bruno Clarke, Monika Bakke, Eduardo Kac, Dorion Sagan, Astrid Schrader, Paul Vanouse u. a.

Vom Schatten zum Licht: Eine Werkschau

In seinen Arbeiten beschäftigt sich der österreichische Künstler Rainer Wölzl mit geschichtlichen Prozessen und ihrer Darstellbarkeit, er verhandelt kulturelle, soziale und politische Themen und stellt komplexe Bezüge zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Medien und Zeiten, Dokumentation und Fiktion her.

Häufig gründen Wölzls Sujets in einem Nachdenken über Macht. Methodisch verbindet er Prinzipien der Montage und Dispersion, um neue Zusammenhänge zu entwickeln und Sehgewohnheiten zu hinterfragen. Wölzls Kunst ist anspielungsreich, lässt Raum für Widersprüche und verbindet gegenwärtige, historische und imaginierte Bildwelten.

Die Monografie präsentiert Werke des Künstlers von 2006 bis heute – ein umfassendes Kompendium großformatiger Kohlezeichnungen, Gemälde, Grafiken, Plastiken und Installationen.

• Ein Überblick über das Schaffen des österreichischen bildenden Künstlers Rainer Wölzl
• Mit Textbeiträgen von Berthold Ecker, Edith Futscher, Franz Schuh, Jacqueline Rugo und Rainer Wölzl
• Mit zahlreichen großformatigen Abbildungen

Blick ins Buch

Textile Welten künstlerisch vermittelt

Die Publikation präsentiert und dokumentiert 26 Jahre künstlerische Lehre und Forschung an der Abteilung Textil der Universität für angewandte Kunst Wien. Sie gibt Einblick in die Mannigfaltigkeit textiler Kulturtechniken und Produktionsfelder, in die Reflexionsräume im Kontext künstlerischer Lehre sowie in die Vielfalt künstlerischer Praxen, die Künstler:innen als Lehrende einbringen.

Die Beiträge zeigen, wie künstlerische Arbeitsweisen im Kontext von Lehren und Lernen didaktische Praxen inspirieren und neu denken lassen. Im Zentrum stehen folgende Fragen: Wie kann „von Kunst aus“ Lehren verstanden werden, und welche Potenziale eröffnet ein Lehren „von Kunst aus“ für Bildungsprozesse? Anhand von Best-Practice-Beispielen werden diese Potenziale erkennbar.

Blick ins Buch

• Überraschende Einblicke in die Diversität, Schönheit und Bedeutung textiler Welten
• Aktuelle und außergewöhnliche Beispiele künstlerischer textiler Forschung
• Aufwendig gestaltetes Buchobjekt; erscheint gemeinsam mit der Publikation Heterotopien des Künstlerischen. Lehren als künstlerische Praxis

Die Psychoanalyse, die das Unbewusste erforscht, gab Künstler*innen des 20. und 21. Jahrhunderts neue Konzepte, Termini sowie wertvolle psychologische Werkzeuge an die Hand, um mit dem gesellschaftlichen Phänomen der Gewalt gegen Frauen umzugehen. Der Band präsentiert bahnbrechende Forschungen zur Repräsentation geschlechtsspezifischer Gewalt in der Kunst. Kulturelle Konstruktionen, die mit dem Phänomen verwoben sind, werden untersucht, und Strategien der Gegenpositionierung in Kunst und Psychoanalyse, die auf verschiedenen Kontinenten entwickelt wurden, offengelegt. Zu den Künstler*innen zählen Oskar Kokoschka, María Izquierdo, Grete Stern, Dorothea Tanning, Ana Mendieta, Kiki Kogelnik, Marina Abramović, Soli Kiani, Sigalit Landau, Hava Raucher sowie die Filmemacherin Ruth Beckermann und die Philosophin Hélène Cixous.

Blick ins Buch

Mit Beiträgen in Englisch und Deutsch und Abstracts in der jeweils anderen Sprache

Das Parlament – in Szene gesetzt

Anlässlich des Wiedereinzugs des parlamentarischen Betriebs in das sanierte österreichische Parlamentsgebäude wagt dieses Buch eine künstlerische und fotografische Auseinandersetzung mit parlamentarischen Prozessen, mit dem Parlament als Bühne und als zentrale Institution des demokratischen Systems.

Sensible Gebäude werden nach einem Neu- oder Umbau vor der Inbetriebnahme in einem Testbetrieb auf Funktionalität, Sicherheit etc. überprüft. Mitarbeiter:innen der Parlamentsdirektion, der Ministerien und weitere Personen erprobten die verschiedenen Abläufe nach einem Drehbuch. Im Zuge dieses Kooperationsprojekts realisierten Studierende der Universität für angewandte Kunst Wien in dem Gebäude zahlreiche künstlerische Arbeiten – mit dem Ziel, gesellschaftliche Ordnungen performativ zu befragen und neu auszuloten.

• Kooperationsprojekt der Universität für angewandte Kunst Wien und der Parlamentsdirektion zum Wiedereinzug des parlamentarischen Betriebs in das sanierte Gebäude
• Anknüpfend an die Publikation Temporäre Unordnung. 782 Abbildungen aus dem Parlamentsgebäude im Leerstand (2020)
• Mit zahlreichen großformatigen fotografischen Arbeiten

Die Zukunft der Universität

Das Buch dokumentiert nicht nur das Symposium „Radikale Universität“, das die gesellschaftsbildende Kraft der Universität, die Interdisziplinarität und den Dialog zwischen Kunst und Wissenschaft im Spannungsfeld sozialer Relevanz und Verantwortung beleuchtete. Es würdigt auch das Wirken von Rektor Gerald Bast an der Universität für angewandte Kunst Wien: Mit der Einrichtung zahlreicher neuer interdisziplinärer Studien, der Annäherung von Kunst und Wissenschaft und einer klaren gesellschaftspolitischen Haltung setzte er wichtige Impulse.

Die Publikation untersucht drei Kernthemen: Kunst und Wissenschaft, den Ausbau der Universität zum Campus und die Bildungsreform. Alle Texte verhandeln die Zukunft der Bildung in Zeiten radikaler Veränderung, um radikale Perspektiven auf die Institution Universität zu entwickeln.

• Über Herausforderungen für Universitäten und Bildung im 21. Jahrhundert
• Beiträge von Aleida Assmann, Klaus Bollinger, Brigitte Felderer, Olga Grjasnowa, Daniela Hammer-Tugendhat, Lisz Hirn, Anab Jain, Judith Kohlenberger, Meinhard Lukas, Helga Nowotny, Ferdinand Schmatz u. a.
• Mit Fotografien und Renderings von Marlene Mautner

40 Jahre Science Visualization

Die Sichtbarmachung bzw. Visualisierung von oft verschlüsselten Daten erschließt dem Menschen neue, bisher verborgene, aber durchaus reale Welten. Die Kunst greift all diese neuen Erkenntnisse auf und übersetzt sie mit Visualisierungen in neue Dimensionen.

Das Buch versammelt ein breites Spektrum an Beiträgen zur Visualisierung in Wissenschaft, Medien und Kunst: Namhafte Expert:innen und Wegbegleiter:innen des Science Visualization Lab der Universität für angewandte Kunst Wien präsentieren herausragende Beispiele innovativer Visualisierungen und geben Einblick in ihre Arbeitsweisen. Das Buch zeichnet unterschiedliche Zugänge zur Wahrnehmungserweiterung und Sichtbarmachung des Unsichtbaren nach.

„Würden die Pforten der Wahrnehmung gereinigt, erschiene den Menschen alles, wie es ist: unendlich.“ – William Blake

• Einblick in die Denk- und Arbeitsweise renommierter Wissenschaftler:innen, Medienexpert:innen und Künstler:innen
• Opulentes Buchobjekt mit zahlreichen Abbildungen und Augmented-Reality-Features
• Mit Beiträgen von Ina Conradi / Mark Chavez, Christian Köberl, Walter Köhler, Thomas Matzek, Markus Müller, Ruth Schnell, Victoria Vesna / James K. Gimzewski, Manfred Wakolbinger u. a.

Hybride Rauminszenierungen

Ruth Schnells Werk zeichnet sich durch eine konsequente Auseinandersetzung mit historischen Realitätskonzepten aus, die durch die apparative Wahrnehmung infrage gestellt werden. Im Kontext der Medienkunst leistete Schnell einen wesentlichen Beitrag zum Verständnis dieser radikalen Transformation: In ihrer Kunst ging sie über das bewegte Bild hinaus, bezog Betrachter:innen partizipativ mit ein und erweiterte objekthafte und skulpturale Medienkunst in immersive Environments.

Tief eingeschrieben in ihre künstlerische Herangehensweise ist die Bezugnahme auf gesellschaftspolitische Fragen unter Rückgriff auf neueste technologische Entwicklungen. Die Monografie bietet eine dokumentarische Aufarbeitung und Kontextualisierung des Werks von Ruth Schnell seit 1983 und eine Anregung zur Kompetenzerweiterung im Medienbereich.

• 40 Jahre medienkünstlerische Produktion eröffnen auf singuläre Weise neue Wege und Dimensionen in der Medienkunst
• Umfangreicher Werkteil; mit Vorworten von Peter Weibel und Katharina Gsöllpointner sowie Beiträgen von Claudia Giannetti, Chris Salter und Jill Scott
• Digitale Verschränkung mit dem Videoarchiv der Künstlerin über QR-Codes

NS-Kontinuitäten konfrontieren

Wie mit Kontinuitäten des Nazismus im 21. Jahrhundert kuratorisch umgehen? Der Sammelband widmet sich kuratorischen Formaten und Strategien, die Mechanismen des Verdrängens und Verleugnens der Nazigeschichte adressieren und bearbeiten.

Die Beiträge analysieren die Normalisierung faschistischer Ästhetiken und Diskurse. Sie positionieren sich innerhalb neuer Debatten um Erinnerungspolitiken, suchen Möglichkeiten, sich Gewaltgeschichten zu stellen, und reflektieren Kontexte und Projekte in Museen, Hochschulen und im öffentlichen Raum.

Welche Rolle spielt Erinnerung in kuratorischen Projekten zwischen Auseinandersetzung und Entledigung? Beschäftigen wir uns mit dem Thema, um uns nicht damit beschäftigen zu müssen? Oder wollen wir es nicht vielmehr zeigen, um uns mit den Kontinuitäten in der Gegenwart zu konfrontieren?

Blick ins Buch

• Praktiken des Umgangs mit NS-Kontinuitäten in Bezug auf Denkmäler, Sammlungsbestände, institutionelle Strukturen
• 7. Band der Unterreihe /ecm (educating/curating/making), mit Texten internationaler Expert:innen aus Theorie und Praxis sowie künstlerischen Arbeiten
• Beiträge von Sophie Goltz, Angela Koch, Michaela Melián, Ruth Sonderegger, Julia Voss u. a.

Bussi, Bussi, baba! Neue Sprachkunst

Die Anthologie für zeitgenössische Literatur JENNY erscheint heuer in neuem Look – und geht fesch ins 11. Jahr.

„Es geht sich aus“, summen die Großmütter im Chor, die fahlen Erinnerungen in Träumen wiegend. Zu viel Glanz bekommt auf Dauer nicht, die Puderschichten an den Wangen stauben und werden in der Sommerhitze von einem unerwartet frischen Windstoß dann doch wieder abgetragen. Übrig bleibt: Resthitze, abgestandene Luft, Texte; über Konventionen, über Unterdrückung, über Vergangenes, das durch die Hitze an die Oberfläche der Gegenwart schmilzt. Aber auch: immer der Versuch, zu atmen, Raum einzunehmen und eingefallene Wangen wachzuküssen.

Etwas morbid, wienerisch, queerfeministisch sinnt JENNY. Ausgabe 11 der Geborgenheit von Abschlüssen im Neuanfang nach. Vieles bleibt, Neues wird, Altes spricht, manches geht.

• Ausgabe 11 der Literaturanthologie JENNY, jährlich herausgegeben von Studierenden des Instituts für Sprachkunst der Universität für angewandte Kunst Wien
• JENNY glänzt in alter Tradition und neuem Look mit 15 frischen Texten
• Ausgewählte Texte innovativer Autor:innen – Lyrik, Essay, Prosa und genreübergreifende Sprachkunst

In Krisenzeiten: Quo vadis, Architektur?

Angetrieben vom Wunsch, angesichts von Krisen bessere Welten zu erschaffen, versuchen Architekt:innen, Gesellschaft, Städte und Wohnformen neu zu denken, die Architektur und ihre Materialität zu erneuern – und prägen damit eine neue Ästhetik.

Denn Krisen eröffnen als „Kippmomente“ neue Perspektiven: Anhand historischer wie zeitgenössischer Projekte untersucht Susanne Stacher unterschiedliche Strategien in der Architektur. Ansätze aus Wissenschaft und Philosophie (u.　a. Pierre-Henri Castel, Hartmut Rosa) ermöglichen es, Vorstellungen von Fortschritt, Wachstum, Natur, Gesellschaft zu hinterfragen, die in den vorgestellten Architekturprojekten sichtbar werden.

Das Buch spannt einen weiten historischen Bogen und ist ein Plädoyer, über die Rolle von Architektur und Städtebau in Zeiten ökologischer Krisen nachzudenken.

• Eine historische und philosophische Betrachtung von Architektur in Krisenzeiten
• Vom Archaismus über das Streben nach Entschleunigung, Erschaffung durch Zerstörung bis zur Wiederverzauberung der Welt
• Projekte/Konzepte von Hans Hollein, Ebenezer Howard, Bjarke Ingels, Le Corbusier, Adolf Loos, Paul Otlet, Bernard Rudofsky u. a.

In Krisenzeiten: Quo vadis, Architektur?

Angetrieben vom Wunsch, angesichts von Krisen bessere Welten zu erschaffen, versuchen Architekt:innen, Gesellschaft, Städte und Wohnformen neu zu denken, die Architektur und ihre Materialität zu erneuern – und prägen damit eine neue Ästhetik.

Denn Krisen eröffnen als „Kippmomente“ neue Perspektiven: Anhand historischer wie zeitgenössischer Projekte untersucht Susanne Stacher unterschiedliche Strategien in der Architektur. Ansätze aus Wissenschaft und Philosophie (u.　a. Pierre-Henri Castel, Hartmut Rosa) ermöglichen es, Vorstellungen von Fortschritt, Wachstum, Natur, Gesellschaft zu hinterfragen, die in den vorgestellten Architekturprojekten sichtbar werden.

Das Buch spannt einen weiten historischen Bogen und ist ein Plädoyer, über die Rolle von Architektur und Städtebau in Zeiten ökologischer Krisen nachzudenken.

• Eine historische und philosophische Betrachtung von Architektur in Krisenzeiten
• Vom Archaismus über das Streben nach Entschleunigung, Erschaffung durch Zerstörung bis zur Wiederverzauberung der Welt
• Projekte/Konzepte von Hans Hollein, Ebenezer Howard, Bjarke Ingels, Le Corbusier, Adolf Loos, Paul Otlet, Bernard Rudofsky u. a.

Wiener Gemeindebau im Spiegel der Kunst

Wie kann man Zeitgeschichte und zeitgenössische Kunst sinnvoll zusammenführen und im öffentlichen Raum präsentieren? Anlässlich der Renovierung des Wiener Gemeindebaus Franz-Novy-Hof entstand ein interdisziplinäres Projekt, initiiert von Baumeister Gerhard Glantschnig, realisiert vom Institut für Zeitgeschichte der Universität Wien und der Abteilung für Grafik und Druckgrafik der Universität für angewandte Kunst Wien.

Die Publikation beleuchtet das Thema Wiener Gemeindebau neu, in einem Dialog zwischen Studierenden: Texten und Podcasts von 11 Zeitgeschichtestudierenden zu Aspekten der Geschichte des Wiener Gemeindebaus stehen Reaktionen in Form von großformatigen Bildern von 12 Kunststudierenden gegenüber.

In Essays erläutern die Professoren Oliver Rathkolb und Jan Svenungsson die Herausforderungen des Projekts.

Dynamisches Kunstlicht im Museum

In Galerien und Museen wird die Wahrnehmung von Kunst, Raum und Atmosphäre wesentlich durch den Faktor Licht bestimmt. Doch welche Lichteinstellungen sollen von Kunst- und Museumsexpert:innen und Ausstellungsgestalter:innen vorgenommen werden, und wie und auf welcher Basis wird eine Wahl getroffen? Zukunftsweisende LED-Technologien ermöglichen maßgeschneiderte Beleuchtungsszenarien. Kunstlicht wird so zum interaktiven Material in der Museumsarchitektur – nicht nur in der Entwurfspraxis, auch in Echtzeit-Raumerfahrungen.

Computergesteuerte Lichttechnologien setzen neue Maßstäbe: Das Individuum entscheidet und übernimmt die Gestaltungshoheit. Light Up ergründet das Potenzial dynamischer Kunstlichttechnologien in der Museumsarchitektur – und eröffnet damit neue Sichtweisen im Umgang mit Licht im Ausstellungsraum.

Studio Hani Rashid im Porträt

Das Buch Re: Action präsentiert – anknüpfend an Re: Futures (2017) – eine Auswahl an innovativen Entwürfen des Studios Hani Rashid am Institut für Architektur der Universität für angewandte Kunst Wien. Die ausgewählten Projekte thematisieren architektonische Strategien in Bezug auf die Vitalität von Städten und Ökosystemen sowie nachhaltiges Stadtwachstum.

Hani Rashid, Mitbegründer des visionären New Yorker Architekturbüros Asymptote Architecture, legt den Schwerpunkt seines Studios auf die Entwicklung einer Architektur, die auf die gegenwärtigen und zukünftigen ökologischen Veränderungen unserer Umwelt reagiert. Das Buch versammelt Projekte, Texte und Gespräche und zeigt kreative Möglichkeiten auf, wie Architektur zur Schaffung einer nachhaltigen, fortschrittlichen und lebenswerten urbanen Zukunft beitragen kann.

Ein Künstlerbuch über Bilder von Bildern

In Jari Gensers künstlerischer Arbeit spielt die Wiederholung eine zentrale Rolle: Er malt Bilder, die immer das jeweils vorhergehende Bild im Prozess seiner Entstehung zeigen. Eine endlose Reihe: Bilder von Bildern von Bildern, wie zwei Spiegel, die sich gegenüberstehen und ein immer kleineres Spiegelbild zeigen. Und die Räume, in denen sie entstanden sind, die Dinge, die dort herumliegen, zufällig oder vorausschauend platziert, kurz: ein Leben. Wie schnell doch die Zeit vergeht.

Die Monografie gibt erstmals einen detaillierten Überblick über die ersten 16 Werke, die seit 2012 auf diese Weise entstanden sind und die wie ein visuelles Tagebuch durch das Schaffen des Künstlers führen. Die Präsentation der Arbeiten wird ergänzt durch ein kommentiertes Inventar aller 477 in den Bildern enthaltenen Gegenstände.

Ein künstlerisches Forschungsbuch

Die Monografie von und über Payer Gabriel ist eine antidisziplinäre Enzyklopädie, die ihre etymologische Herkunftsbedeutung – als Kreis des Lernens – wörtlich entfaltet: ein Zirkulieren variabler Wissensformen, die sich gegenseitig bedingen und lustvoll aufeinander referenzieren.

Die alphabetisch geordnete Begriffssammlung ergibt sich aus einer Reflexion über die eigene künstlerische Arbeit, aber auch über theoretische Texte zu visuellen und anderen Epistemologien, die die Arbeit begleiten. So findet ein Essay von Bruno Latour über Inskriptionen nicht nur als Originaltext Eingang in das Buch, sondern auch über ein Nachdenken in zeichnerischer Form und in Referenztexten. Innerhalb dieser Kontextualisierungen überschreiten die künstlerischen Arbeiten ihren Status als Dokumentationen und entfalten ein Eigenleben.

Blick ins Buch

Zwei Werkserien von Jeremias Altmann

In seiner künstlerischen Arbeit beschäftigt sich Jeremias Altmann mit den Themen Maschine, Mensch und Entwicklung. Die aufwendig gestaltete Künstlermonografie präsentiert die beiden Werkserien YOUNG PROPHECIES und MACHINES. In der Serie YOUNG PROPHECIES rekonstruiert Altmann seine eigenen Kinderzeichnungen. Die Auseinandersetzung mit dem Innenleben technischer Apparaturen im zeitlichen Wandel ist Ausgangspunkt für die Serie MACHINES. Die Präsentation der Serien wird ergänzt durch einen essayistischen Text des Künstlers, von Fragen kindlicher Entwicklungspsychologie bis zu Reflexionen zum Spannungsfeld Mensch/Maschine.

Die ungewöhnliche Gestaltung des Buches mit zwei Leserichtungen erlaubt das spielerische Erforschen der Serien: Leseroutinen werden aufgebrochen; Texte und Bilder sind zu einer besonderen Einheit verwoben.

Biomacht & Daten

Sophie Reyer begibt sich in ihrem Buch BioMachtData auf die Spur von Daten und des Phänomens des „Dataismus“, der Huldigung des unbegrenzten Datenflusses. Sie beschreibt „Dataismus“ als eine Theorie, die sich zu einer regelrechten Religion entwickelt hat und nicht nur Prophezeiungen, sondern auch Gebote zeitigt: Vermehre den Datenfluss! Was so viel bedeutet wie: Konsumiere und produziere! Dabei rückt der Mensch selbst in den Hintergrund; die Freiheit des Informationsflusses und der Informationsflut wird zum neuen Wert.

Ausgehend von Michel Foucaults Biomachtbegriff, entwickelt Reyer künstlerisch-philosophische Ansätze in Wort und Sprachbild – in Form von Essays, Monologen, Dialogen, Theaterfragmenten und Bildern. Sie untersucht Figuren des Dataismus, von „Incels“ über sogenannte Nerds bis zu Heldinnenfiguren.

Wie Designstudierende nachhaltig lernen

Wie unterrichte ich Design? Warum ist das Zuhören so wichtig? Was können wir aus anderen Fachgebieten und Kulturkreisen und voneinander lernen?

Antworten und Anregungen bieten Sven Ingmar Thies und seine 24 Interviewpartner:innen, die alle ein Wille vereint: Ihre Studierenden sollen experimentieren, erfahren und sich selbst weiterentwickeln. Zu Wort kommen Lehrende aus Grafikdesign, Designtheorie, Game-Entwicklung, Industriedesign und Verhaltensforschung aus China, Deutschland, Großbritannien, Japan, Österreich und den USA.

Ergänzt werden die fundierten Gespräche durch eine umfassende Reflexion und Beispielaufgaben. Ein Buch für Lehrende und Studierende gleichermaßen, das Einsichten in Erfahrungswerte anderer, aber auch Impulse für das eigene Lehren und Lernen bietet – und Inspiration für die berufliche Praxis.

• Neue Unterrichtsmethoden und praxisnahe Anregungen
• Die Erfahrungen von 24 Designlehrenden aus sechs Ländern im Vergleich

• Fritz Frenkler, Gesche Joost, Rathna Ramanathan, Stefan Sagmeister, Kashiwa Sato, Erik Spiekermann u. a. im Gespräch

Konfrontation statt Repräsentation

Der österreichische Kulturbetrieb steht vor der größten Existenzkrise seit Beginn der Zweiten Republik. Die konzeptionellen Grundlagen der österreichischen Kulturpolitik stammen aus den 1970er-Jahren und kommen mit den Auswirkungen der Pandemie an ihre Grenzen. Das Buch verdeutlicht die Dringlichkeit, die Beziehungen zwischen Kulturbetrieb und Gesellschaft durch Künstler:innen, Vermittler:innen, Nutzer:innen neu zu verhandeln.

Mit einer Reihe langjähriger Beobachter:innen macht sich Michael Wimmer auf die Suche nach einer zeitgemäßen Kulturpolitik: Ziel ist es, Kunst und Kultur jenen Stellenwert in der Gesellschaft einzuräumen, den sie verdienen.

Konzipiert als dialogische Streitschrift, werden zentrale Felder einer neuen Agenda der Kulturpolitik verhandelt, um eine breitere kulturpolitische Diskussion anzustoßen.

Interdisziplinäre Bildungsoffensive

Herausforderungen einer komplexen, unbeständigen Welt erfordern Lösungen, die divergente Perspektiven und Interessen miteinander in Einklang bringen. In der Schule ist Interdisziplinarität seit Jahrzehnten Bestandteil von Lehrplänen, als „fächerverbindend/fächerübergreifend“ wird sie aber selten als kollaborative Praxis angewandt.

Kommunikation zwischen Fächern reicht nicht. Ohne sinnstiftende Kooperation bleiben Chancen des Verbindenden ungenutzt, und Lehrende wie Studierende profitieren nicht von der Erfahrung gelebter Interdisziplinarität.

Das neue Periodikum EDU:TRANSVERSAL präsentiert jährlich die neuesten Ergebnisse nationaler und internationaler transversaler Forschung sowie den State of the Art der Interdisziplinarität in der Fachdidaktik – mit dem Ziel, einen transversalen Turn in der Bildung auszulösen.

Widersprüche im musealen Kontext

Wie kann Kritik am Museum im Museum Folgen haben? Seit Beginn des 21. Jahrhunderts verbreiten sich kritische Theorien in der Praxis institutioneller Texte und Kontexte wie Lauffeuer: Feminismus, Antirassismus, Umweltpolitiken, Institutionskritiken, Inklusionsdebatten, dekoloniale und queere Theorien sind omnipräsent – während sich strukturell jedoch nur wenig zum Besseren verändert und ein hart erarbeitetes kritisches Vokabular oft zum Label wird.

Vor diesem Hintergrund untersucht dieser Band die Verhältnisse von Theorie und Praxis sowie die damit verbundenen Widersprüche im musealen Kontext: Wie kann kritische Theorie zur Praxis werden? Wie lässt sich kritisches Vokabular in institutionelles Handeln übersetzen? Die Beiträge hinterfragen große Strukturen, beschreiben und reflektieren aber auch persönliche Momente.

Pionierin der Architekturgeschichte

Margarete Schütte-Lihotzky (1897–2000) ist mit der Frankfurter Küche in den Kanon der Moderne eingegangen. Sie gilt zudem als Pionierin der sozialen Architektur, als Aktivistin der Frauenbewegung und nicht zuletzt als Heldin des Widerstands gegen die Nazidiktatur.

In dem nun auch auf Englisch vorliegenden Buch liefern neueste Forschungen aus Kunst- und Zeitgeschichte, Pädagogik und Gender Studies ein differenziertes Bild der Architektin, deren Nachlass sich an der Universität für angewandte Kunst Wien befindet. Der Band beleuchtet ihr reiches architektonisches Œuvre, ihre transnationalen Erfahrungen und beruflichen Netzwerke, ihren politischen Werdegang als Kommunistin und nicht zuletzt ihre aktuelle Rezeption. Er präsentiert Margarete Schütte-Lihotzky, eine Ikone der Architekturgeschichte, jenseits aller Mythen.

Über Architektur, KI und Mikrobiologie

Co-Corporeality beruht auf der Hypothese, die gebaute Umwelt als biologische Einheit zu begreifen, die einen Raum der Koexistenz und Interaktion zwischen Menschen und mikrobiellem Leben eröffnet. Ausgehend von designgeleiteter Forschung wird ergründet, wie wir Umgebungen für eine Multispezies-Welt entwickeln können. Im Fokus steht die Handlungsfähigkeit menschlicher wie nicht menschlicher Akteure: Neue Sensortools ermöglichen die Beobachtung von und Interaktion zwischen diesen verschiedenen Akteuren.

Co-Corporeality verbindet Mikrobiologie, Materialwissenschaft, künstliche Intelligenz, Architektur. Im Zentrum steht die Frage, wie mikrobielle Aktivität neue protoarchitektonische Materialien schaffen kann, wie lebende Systeme in Architektur integriert werden und innerhalb verschiedener Zeitskalen kooperieren können.

Jubiläumsausgabe der Literaturanthologie JENNY

Die Jubiläumsausgabe der Anthologie für zeitgenössische Literatur JENNY, herausgegeben von Studierenden des Instituts für Sprachkunst der Universität für angewandte Kunst Wien, ist dem Thema InTransparenz gewidmet. In vielfältigen literarischen Genres wird ausgelotet, was sich mit dem Konzept InTransparenz be- und überschreiben lässt.

JENNY. Ausgabe 10 rückt auch die eigene redaktionelle Arbeit in den Fokus – und wirft einen kritischen Blick auf den Literaturbetrieb und den eigenen institutionellen Rahmen. In einem experimentellen Interviewteil wird die redaktionelle Kontrolle an einen Chatbot namens Jenny übertragen – der in Gesprächen mit einer Verlegerin, einem Schriftsteller und Übersetzer und einem Mitarbeiter der Magistratsabteilung für Einwanderung der Stadt Wien Interessantes zutage fördert.

Werkporträt Friedl Dicker-Brandeis

Das künstlerische Wirken von Friedl Dicker-Brandeis (1898–1944) nimmt eine Schlüsselrolle ein – für eine erweiterte Geschichte der österreichischen Avantgarde, aber auch für eine Vertiefung des Verständnisses der Moderne.

Dickers Werk weist eine beeindruckende Bandbreite an Medien und Genres der bildenden und angewandten Kunst auf. Geprägt vom Studium an der Wiener Kunstgewerbeschule, der Itten-Privatschule und am Weimarer Bauhaus, arbeitete sie als Malerin, Bühnenbildnerin, Architektin, Designerin in Wien und Berlin, im Exil und als Deportierte.

Das Buch erschließt die Heterogenität von Dickers Werk, rekonstruiert künstlerische Strategien sowie Bezüge auf ästhetische und politische Diskurse der 1920er- bis 1940er-Jahre und dokumentiert erstmals ihre Werke in der Sammlung der Universität für angewandte Kunst Wien.

Blick ins Buch

Werkporträt Friedl Dicker-Brandeis

Das künstlerische Wirken von Friedl Dicker-Brandeis (1898–1944) nimmt eine Schlüsselrolle ein – für eine erweiterte Geschichte der österreichischen Avantgarde, aber auch für eine Vertiefung des Verständnisses der Moderne.

Dickers Werk weist eine beeindruckende Bandbreite an Medien und Genres der bildenden und angewandten Kunst auf. Geprägt vom Studium an der Wiener Kunstgewerbeschule, der Itten-Privatschule und am Weimarer Bauhaus, arbeitete sie als Malerin, Bühnenbildnerin, Architektin, Designerin in Wien und Berlin, im Exil und als Deportierte.

Das Buch erschließt die Heterogenität von Dickers Werk, rekonstruiert künstlerische Strategien sowie Bezüge auf ästhetische und politische Diskurse der 1920er- bis 1940er-Jahre und dokumentiert erstmals ihre Werke in der Sammlung der Universität für angewandte Kunst Wien.

Blick ins Buch

Schule Oswald Oberhuber im Porträt

Die Publikation erschließt die vielschichtige Praxis von Oswald Oberhuber (1931–2020), die von den 1970er- bis 1990er-Jahren die Hochschule für angewandte Kunst Wien und einen bis heute relevanten kunstpolitischen Diskurs prägte, erstmals in ihrer Programmatik. Ausgehend von der Ausstellung Schule Oberhuber (Universitätsgalerie im Heiligenkreuzerhof, 2022), wird Oberhubers Kritik am konservativen Nachkriegskanon und den institutionellen Rahmenbedingungen von Kunst thematisiert.

Das Buch verortet Oberhubers künstlerische Position im internationalen Kontext und verdeutlicht sein kulturpolitisches, reformorientiertes Verständnis von Kunstvermittlung. Dass die Auseinandersetzung mit der von Oberhuber initiierten Kunstsammlung und dem Universitätsarchiv bis heute lohnenswert ist, zeigen Werke zeitgenössischer Künstler:innen und Studierender.

Von der Gussmethode zur Skulptur

Gegossene Materialien werden fest, sind jedoch in ihrem Ursprung ein fließendes Baumaterial, das jede erdenkliche Form annehmen kann. Dieses einfache, aber radikale Paradigma ermöglicht die Erforschung volumetrischer Formationen durch prozesshaftes Gießen und das Experimentieren mit alternativen Möglichkeiten der Herstellung, Inszenierung und Formgebung von Gussformen.

Durch die Arbeit mit aushärtenden Körpern wird die Vorstellung ihrer formalen Starrheit grundlegend infrage gestellt, konventionelle Schalungsmodelle werden überdacht, und es entsteht eine neue Ästhetik.

Fluid Bodies präsentiert eine Vielzahl an Objekten, die aus alternativen Gussmethoden entstanden sind. Das Buch dokumentiert die experimentelle künstlerische Forschung und setzt die innovativen wie überraschenden Beton- und Gipsskulpturen in Szene.

Dialogisches Handeln in der Kunst

Barbara Holubs sozial und politisch engagierte Kunstpraxis verknüpft seit dreißig Jahren urbane Entwicklungen, gesellschaftliche Fragestellungen und künstlerische Interventionen. Als akkumulativer Prozess partizipatorischen Handelns hinterfragen Holubs Projekte die Rolle von Kunst in der Gesellschaft, ob im Kunstkontext, im urbanen öffentlichen Raum oder in Bezug auf Unternehmen.

Die Monografie gibt einen fundierten Überblick über Barbara Holubs umfangreiches Werk sowie ihre Projekte mit transparadiso an der Schnittstelle von Kunst, Architektur und Urbanismus, für die sie den Begriff „stiller Aktivismus“ geprägt hat. Anstatt Aktivismus im direkten Sinne zu propagieren, schafft Holub beharrlich performative Situationen für dialogisches Handeln – mit dem Ziel, Normen zu hinterfragen und Grenzen zu überschreiten.

Zweisprachige Ausgabe: Deutsch/Englisch

Barbis Ruder: 10 Jahre Performancekunst

Im Fokus der Arbeiten der Performance- und Medienkünstlerin Barbis Ruder steht der Körper – als Ausgangs- und Untersuchungsobjekt zugleich. In ihren Performances und multimedialen Arbeiten lotet Ruder Themen wie Wirtschaft, Arbeit, Intimität und Konventionen aus. Der Körper kommt im bewegten Bild, in Skulpturen, Installationen und auf der Bühne zum Einsatz.

Das Buch präsentiert erstmals das gesamte Werk von Barbis Ruder und zeigt die Vielschichtigkeit ihres Schaffens. In unterschiedlichen Werkzyklen wird der Körper immer wieder neu ver- und behandelt, im Spannungsfeld zwischen Emanzipation und Kapitalismus.

Die umfangreiche Werkschau versammelt trashige Bühnenperformances und bildhauerische Werke ebenso wie Videoarbeiten und gibt Einblicke in Werkentwicklungen, die durch Zeichnungen und Studien dokumentiert sind.

Structures of Displacement dokumentiert ein Projekt von [applied] Foreign Affairs ([a]FA) des Instituts für Architektur an der Universität für angewandte Kunst Wien und der Organisation der Vereinten Nationen für industrielle Entwicklung (UNIDO): die Konzeption und Gestaltung eines landwirtschaftlichen Ausbildungszentrums im Harsham Camp, einem Flüchtlingslager in Erbil in der Region Kurdistan im Irak (2016–2019).

Das Buch zeigt die Kartierung des Harsham Camps durch [a]FA, mit der seine ökonomischen Netzwerke und Lebensräume erfasst und beschrieben werden, und es gibt Einblicke in individuelle Lebensgeschichten der Bewohnerinnen und Bewohner.

Das Projekt ist Teil des UN-Auftrags zur Stabilisierung und zur Unterstützung der wirtschaftlichen Erholung und des Wiederaufbaus für Vertriebene und Rückkehrer im Irak.

Diese Festschrift ist dem visionären Tragwerksplaner und Professor für Tragkonstruktionen am Institut für Architektur der Universität für angewandte Kunst Wien Klaus Bollinger gewidmet.

Anlässlich seiner Emeritierung würdigen Kolleg*innen aus Lehre und Praxis, renommierte Architekt*innen und Absolvent*innen des Instituts für Architektur in rund 100 Beiträgen Klaus Bollingers Schaffen und Wirken – als engagierter Professor und langjähriger Dekan, als international hochgeschätzter Ingenieur, aber auch als Freund und Mensch.

Nicht nur in der erfolgreichen Zusammenarbeit mit Manfred Grohmann (Bollinger + Grohmann betreiben aktuell weltweit Büros an dreizehn Standorten), sondern auch als Lehrer und Dekan hat Klaus Bollinger das innovative und zeitgemäße Planen und Bauen international maßgeblich mitgeprägt.

Dieses Buch untersucht experimentelle Ansätze für Entwurf und Umsetzung von Holzstrukturen in der Architektur und präsentiert zugleich die Resultate eines künstlerischen Forschungsprojekts.

Durch den Einsatz digitaler Werkzeuge wird die Anatomie des Holzes als entwurfsbestimmendes Prinzip für Raumgefüge genutzt, das Potenzial traditioneller Handwerkskunst erforscht und daraus eine materialorientierte Architekturpraxis abgeleitet. Strukturen werden hier nicht für eine bestimmte Nutzung entworfen, sondern eröffnen aufgrund ihrer spezifischen räumlichen und geometrischen Eigenschaften unterschiedliche Möglichkeiten der Bespielung.

Die Dokumentation gibt Einblick in einen ergebnisoffenen Forschungsprozess. Gastbeiträge reflektieren die zugrunde liegenden Konzepte und damit die zukünftige Relevanz des Baustoffs Holz.

Die urbanen Räume der Zukunft

Das Buch versammelt spekulative Beiträge zu disruptiven, nicht linearen Zukünften urbaner Agglomerationen, die auf Untersuchungen zu urbanen Innovationen am Department of Special Topics in Architecture am Institut für Architektur der Universität für angewandte Kunst Wien basieren. Neben renommierten Expert:innen nehmen auch Studierende Stellung zu Fragen unserer urbanen Zukunft.

Nonlinear ist auch die neuartige Lesestruktur, die durch die Konzeption des Buches realisiert und nahegelegt wird: Thematische, grafische Querverweise ermöglichen neben dem kontinuierlichen ein kontextuelles Lesen. Die Anreicherung des gedruckten Buches um digitale Augmented-Reality-Komponenten bietet darüber hinaus ein vernetztes, gleichzeitiges Lesen auf mehreren inhaltlichen Ebenen und spiegelt so die Komplexität urbaner Systeme wider.

Das legendäre Kabarett Fledermaus (1907–1913) in Wien war bekannt für seine wegweisende künstlerische Gestaltung und sein gesamtkünstlerisches Konzept der Wiener Werkstätte. Im Rahmen einer internationalen Kooperation gelang der Abteilung Kunstsammlung und Archiv der Universität für angewandte Kunst Wien 2019 eine stilistische Rekonstruktion des berühmten Barraums des Kabaretts.

2020 entwickelte die Künstler*innengruppe Bar du Bois gemeinsam mit Student*innen der Universität für angewandte Kunst Wien die Ausstellung unter flaschen. die Fledermaus in der Bar du Bois. Die vorliegende Publikation dokumentiert sowohl die Wiederentdeckung eines legendären Ortes der Wiener Moderne als auch seine gewissermaßen doppelte „Wiederauferstehung“.

Der Schriftsteller Ferdinand Schmatz ist nicht nur ein herausragender Lyriker und Essayist. Er hat seine Arbeit seit mehr als dreißig Jahren auch um Lehrtätigkeiten an der Universität für angewandte Kunst Wien erweitert, wo er von 2012 bis 2020 dem Institut für Sprachkunst als Leiter vorstand.

Mit alles oder nichts wortet würdigen Kolleginnen und Kollegen, Wegbegleiterinnen und -begleiter und Studierende Werk und Wirken von Ferdinand Schmatz auf besondere Weise: in Lektüren seiner Texte, in literarischen Antworten auf sein Schreiben, in Anekdoten, gemeinsamen Gedankenspielen, freundschaftlichen Wertschätzungen.

Der Band enthält auch Gespräche, in denen der Autor selbst zu Wort kommt, sowie Auszüge aus ausgewählten Werken, u. a. der Komponisten Wolfgang Mitterer und Beat Furrer.

Demenz ist ein Begriff, der eine Vielzahl von Symptomen beschreibt. Derzeit leben nur in Europa um die 10 Millionen Menschen mit einer Demenz. Wo gesundheitspolitische und medizinische Konzepte an ihre Grenzen kommen, können Kunst- und Designstrategien neue Perspektiven für Menschen eröffnen, die mit Demenz leben – sowohl im Hinblick auf die eigenen Fähigkeiten und die individuelle Situation als auch auf das soziale Umfeld.

Das interdisziplinäre Handbuch richtet sich an Personen, die auf dem Gebiet der Demenz arbeiten und forschen, und bietet Einblicke in die Möglichkeiten und Grenzen künstlerischer und kunstbezogener Interventionen in der Arbeit mit Menschen mit Demenz. Die Publikation versammelt Beiträge zu Design, Architektur, Kunst-, Musik- und Museumspädagogik mit Blick auf dieses vielfältige Krankheitsbild.

Dieses Buch dokumentiert das von Başak Şenova kuratierte Projekt „CrossSections“ (2017–2019), eine interdisziplinäre Plattform zu künstlerischer Forschung, künstlerischem Dialog und künstlerischer Produktion.

Unter Beteiligung von 19 Künstlerinnen und Künstlern sowie neun Institutionen wurden neue Strategien künstlerischer Forschung und neue Modelle des Ausstellungsmachens entwickelt und erprobt, mit zahlreichen Artist-in-Residence-Programmen, Ausstellungen, Performances und Präsentationen in Wien, Helsinki und Stockholm.

In 56 Beiträgen untersucht das Buch alle Aspekte des Projekts „CrossSections“: Dabei werden unterschiedliche Formen und Methoden künstlerischer Praxis sowie kollaborative Modelle unter sich ständig verändernden Bedingungen und Vorzeichen nachvollzogen und präsentiert.

Luft, Wind und Atem auf der Spur

Wind bewegt – die Dinge ebenso wie die Gedanken der Menschen. Der Wind erzählt vom Aufbruch wie vom Untergang, von Kontrolle und Chaos, und die zerstörerische Wirkung des Windes ist zentral in der Diskussion um den Klimawandel.

Das Buch Wenn der Wind weht / When the Wind Blows erscheint zur gleichnamigen Ausstellung im KUNST HAUS WIEN, in Kooperation mit der Universität für angewandte Kunst Wien. Es präsentiert mehr als zwanzig künstlerische Positionen, die die unsichtbaren Elemente Luft, Wind und Atem auf unterschiedliche Weise sichtbar machen.

Ernst Strouhal spürt in seinem Text „Der fliegende Robert und die Seinen“ (Kultur-)Geschichten vom Wind nach, während die Kuratorinnen Verena Kaspar-Eisert und Liddy Scheffknecht das Medium Luft und Luft als Medium in der zeitgenössischen Kunst untersuchen.

Drachen und andere „göttliche Ungeheuer“

Drachen haben viele Gesichter. Sie leben meist im Feuer, tragen Titel und Kronen, und sie sind Erfindungen menschlicher Fantasien. Ihre tierische Erscheinung wird in der jüdisch-christlichen Offenbarung „feuerrot“ gesteigert. Im fernen Osten öffnet sich der Fächer der Ambivalenz: Himmelsdrachen wirken als Götter und Wohltäter, die Könige zu Drachensöhnen erheben und mit Unterweltsdrachen das Spiel der Gegensätze üben.

Im Wechsel von Feuer und Asche bietet dieses Buch in Prosa und Lyrik Einblicke in eine Fantasy-Welt und spannt einen Bogen zur Spurensuche von vier internationalen Künstler:innen und ihrer Werkschau KLIMT revisited anlässlich der 150. Wiederkehr des Geburtstags von Gustav Klimt.

Mit der Eroberung der Filmleinwand vor hundert Jahren konnten sich Drachen im Medium Film bis in unsere Zeit behaupten.

Der Versuch zu trennen, geht immer irgendwie schief. Grenzziehungen sind undicht. Dinge (Konzepte, Sprachen, Zellen, Symptome, Objekte, Werte, Menschen und andere Arten) werden identifiziert, vervielfältigen sich, zirkulieren und verschwinden wieder.

Die transdisziplinäre Anthologie Fake Hybrid Sites Palimpsest. Essays on Leakages widmet sich einer Reihe von produktiven Undichtigkeiten und Durchlässigkeiten und richtet die Aufmerksamkeit auf zusammengesetzte Systeme, Anhaftungen, Befälle und Betörungen.

Die Essays – in Worten und Bildern – navigieren zwischen den Disziplinen und Praktiken und thematisieren eine Vielfalt an Objekten und Strukturen: Blut, Spezies, Viren und Archive; Netzwerke von Gesetzen, Ideologien, Sprachen und Arbeit; Imaginationen von Körpern, Mode, Kunst, Kopie und Poesie.

Das Zusammenspiel von Linie, Form, Raum

Die Publikation präsentiert und dokumentiert das künstlerische Schaffen der bildenden Künstlerin Judith P. Fischer: Das Zusammenspiel von Linie, Form und Raum verdichtet sich zu einem vielschichtigen Werk. Der Fokus liegt auf dem Spannungsfeld zwischen zwei- und dreidimensionalen Ausdrucksmitteln, unter besonderer Berücksichtigung der Medien Skulptur und Zeichnung. Struktur und Haptik kennzeichnen Judith P. Fischers Werk, und Transformation ist ein wiederkehrendes Motiv in ihren Arbeiten.

Das Buch umfasst eine umfangreiche fotografische Dokumentation von einzelnen Werken, Raumansichten und Ausstellungen. Darüber hinaus thematisiert es den Entstehungsprozess der künstlerischen Arbeiten Judith P. Fischers. In einem Interview gibt die Künstlerin Einblicke in Schaffens- und Entwicklungsprozesse.

Liddy Scheffknecht zählt zum Kreis der experimentierfreudigsten bildenden Künstler*innen der jüngeren Generation in Österreich. Die Publikation Liddy Scheffknecht – Points in Time präsentiert ausgewählte Arbeiten, die im letzten Jahrzehnt (2010–2020) entstanden sind.

Liddy Scheffknechts Arbeiten umfassen ein breites mediales Spektrum – und dennoch formen sie ein kohärentes, fortlaufendes künstlerisches Programm. In fotografischen Sequenzen, Installationen, Skulpturen, Zeichnungen und Medienhybriden untersucht die Künstlerin das Verhältnis von Zeitlichkeit, Wahrnehmung und Raum; damit erzeugt und bricht sie Illusion gleichermaßen.

In Liddy Scheffknechts künstlerischen Arbeiten kommen immaterielle Medien wie Sonnenlicht und Schatten ebenso zum Einsatz wie klassische bildhauerische Materialien und digitale Medien.

Über die Giftigkeit des Jetzt

Was ändert sich, wenn wir das Toxische religiös verehren? Lässt sich in unserer Katastrophenzeit eine kosmische Verbindung durch einen Kult der Verschmutzung erzielen? Toxic Temple ist ein künstlerisch-philosophisches Abenteuer im klebrigen Durcheinander des Jetzt.

Wir tragen unsere inneren Widersprüche und zerstörerischen Lüste zu Altare. Wir betreten Wastelands statt Neuland, lassen den Artefakten Raum – eine Solidarisierung mit den Tatsachen.

Uns begegnen farbenfrohe Assemblagen von Dingen, die den bekannten Kosmos verbinden, wackelige Böden neuer Göttlichkeit, scharfe Gerüche, die uns ins Sublime befördern. Müllhalden sind die neuen Tempel. In sadistischer Manie(r) atmen wir das Hier und Jetzt ein. Transformative Kräfte werden freigesetzt, freie Radikale; Rituale, die das Chaos unter der Oberfläche entlarven.

• Neue transdisziplinäre ökosophische Denkansätze
• Multimediales Kunstprojekt mit umfassender Ausstellungsdokumentation und zahlreichen Abbildungen
• Mit Beiträgen von Julieta Aranda, Heather Davis, Elisabeth Falkensteiner, Julia Grillmayr u. a.

Der Mond übt seit jeher eine große Faszination auf uns aus – und das nicht nur am Nachthimmel. Mit seiner komplexen Umlaufbahn ist er der Erde näher als jeder andere Himmelskörper, und bereits die alten Babylonier untersuchten den Mond und sein Wechselspiel mit Planeten und Sternbildern.

Die Ähnlichkeiten und Unterschiede zu anderen Planeten und ihren Monden, die Wechselwirkungen des Mondes mit der Sonne und der Erde, interessante historische Zusammenhänge – all das wird in diesem Buch in präzisen Texten dargestellt und anhand von Fotos und Computersimulationen illustriert und erläutert.

Moonstruck ist als Bilderbuch für astronomisch Interessierte konzipiert und enthält neben wissenschaftlich fundierten Texten zahlreiche großformatige Fotografien und Grafiken, die das Phänomen Mond anschaulich vermitteln.

Der Mond übt seit jeher eine große Faszination auf uns aus – und das nicht nur am Nachthimmel. Mit seiner komplexen Umlaufbahn ist er der Erde näher als jeder andere Himmelskörper, und bereits die alten Babylonier untersuchten den Mond und sein Wechselspiel mit Planeten und Sternbildern.

Die Ähnlichkeiten und Unterschiede zu anderen Planeten und ihren Monden, die Wechselwirkungen des Mondes mit der Sonne und der Erde, interessante historische Zusammenhänge – all das wird in diesem Buch in präzisen Texten dargestellt und anhand von Fotos und Computersimulationen illustriert und erläutert.

Mondsüchtig ist als Bilderbuch für astronomisch Interessierte konzipiert und enthält neben wissenschaftlich fundierten Texten zahlreiche großformatige Fotografien und Grafiken, die das Phänomen Mond anschaulich vermitteln.

Die Jahresanthologie für junge zeitgenössische Literatur JENNY, herausgegeben von Studierenden des Instituts für Sprachkunst der Universität für angewandte Kunst Wien, wurde bereits zweimal als schönstes Buch Österreichs ausgezeichnet. JENNY erscheint nun zum neunten Mal: Die aktuelle Ausgabe ist Beziehungsgeflechten aller Art und dem Themenkomplex Liebe, Erotik, Körper gewidmet.

JENNY. Ausgabe 09 versammelt zwanzig Beiträge – Lyrik, Prosa und Drama –aus dem deutschsprachigen Raum. Ein Essay von Jovana Reisinger zum Thema Frühlingsgefühle sowie ein Interview mit Şeyda Kurt zu ihrem Buch Radikale Zärtlichkeit runden das vielstimmige Sprachkunstpanorama ab. Neues wagende literarische Formen in aufwendiger (typo-)grafischer Gestaltung, ganz dem Leitmotiv der Literaturzeitschrift verpflichtet: Denken. Glänzen. Text.

Oskar Kokoschka hat sich als „Oberwildling“ der Wiener Moderne, als Multitalent in Bild und Wort, als Schöpfer eines viel rezipierten Puppenfetischs und als prominenter, von den Nazis als „entartet" diffamierter Künstler und Antifaschist in den Kanon einer explizit widerständigen Moderne eingeschrieben – als Inbegriff des radikalen, politischen Künstlers.

Kokoschka revisited: Die Publikation versammelt als Ergebnis einer internationalen Tagung am Oskar Kokoschka Zentrum der Universität für angewandte Kunst Wien aktuelle Forschungen aus Kunst- und Kulturwissenschaft, Zeitgeschichte, Literatur- und Theaterwissenschaft, Gender Studies und Biografieforschung. Auf Basis bislang unbekannter Quellenfunde beleuchtet sie Leben und Werk des faszinierenden Künstlers neu und hinterfragt kritisch seine wirkmächtigen Narrative.

„Inframince“ bezeichnet nach Marcel Duchamp Phänomene des Hauchdünnen, Überfeinen und Unentscheidbaren – wie etwa die Wärme, die auf einem Stuhl zurückbleibt, wenn sich eine Person erhebt. In diesem Buch wird „inframince" zur Denkfigur für Formen der Transdisziplinarität in der Gegenwartskunst.

Autorinnen und Autoren sowie Künstlerinnen und Künstler fassen jene äußerst flüchtigen Momente in Text und Bild, in denen künstlerische, theoretische, wissenschaftliche oder alltagskulturelle Elemente aufeinandertreffen und sich dabei jeweils verändern oder ineinander aufgehen.

Zahlreiche Beispiele aus der künstlerischen und lehrenden Praxis im Fach TransArts an der Universität für angewandte Kunst Wien zeigen anschaulich, wie diese vielfältigen Überschreitungen produktiv gemacht werden können.

Linda Bergers erstes Werkporträt lädt dazu ein, die detailreichen Zeichnungen der Künstlerin zu entdecken, insbesondere die neuesten grafischen Arbeiten und Ausstellungen.

Die künstlerischen Konzepte Bergers und die Entstehungsprozesse ihrer Zeichnungen erschließt das Buch thematisch und visuell. Neben zahlreichen, meist großformatige Abbildungen – Zeichnungen, Rauminterventionen und Ansichten der wichtigsten Ausstellungen – tragen die Texte namhafter Autor_innen und profunder Kenner_innen von Bergers Œuvre zum Verständnis und zur Vermittlung ihrer Kunst bei.

Künstlerische Arbeiten und Gestaltung gehen in diesem Buch eine besondere Verbindung ein: Die grafische Konzeption macht die Intensität des Zeichenprozesses der Künstlerin anschaulich und die für Grafiken ungewöhnlich großen Dimensionen nachvollziehbar.

Facettenreich und vielstimmig reflektiert die Festschrift für Gabriela Krist, Restauratorin, Kunsthistorikerin und Vorständin des Instituts für Konservierung und Restaurierung an der Universität für angewandte Kunst Wien, die Entwicklung des Forschungsfelds und des Instituts.

In persönlichen, wissenschaftlichen und künstlerischen Beiträgen kommen WeggefährtInnen, KollegInnen und Studierende zu Wort. So wird zum einen deutlich, wie Gabriela Krist das Feld der Konservierung und Restaurierung maßgeblich geprägt und zu dessen internationaler und interdisziplinärer Erweiterung beigetragen hat. Zum anderen dokumentiert und erörtert der Band die Entwicklung der Profession. Unterlegt mit Daten und Fakten aus Praxis, Lehre und Forschung von zwei Jahrzehnten, wird hier Konservierung und Restaurierung neu gedacht.

Unsere Weltmeere befinden sich aufgrund ihrer Durchsetzung mit Millionen Tonnen toxischer Mikroplastikpartikel in einer ökologischen Krise: In nur wenigen Jahren wird der Anteil von Mikroplastikpartikeln den Anteil von Plankton in unseren Meeren übersteigen und diese in ein riesiges Plastikmeer verwandeln.

Die Publikation versammelt zahlreiche internationale Kunstprojekte im Umfeld von Umweltaktivitäten, DIY-Biotechnologie und Wissenschaft und lenkt die Aufmerksamkeit auf die irreversiblen Folgen der Zerstörung unserer marinen Ökosysteme – die aktuelle Bedrohung durch den Verlust der Artenvielfalt der marinen Tierwelt etwa oder den Rückgang der Sauerstoffproduktion durch massiven Planktonverlust. Darüber hinaus präsentiert sie aktuelle naturwissenschaftliche Erkenntnisse über nachhaltige Alternativen zu Plastik.

Entstanden in der Kulturhauptstadt 2019 Matera in der Region Basilikata in Süditalien sowie in Wien, präsentiert das zweisprachige Buch ein vielstimmiges Archiv von Sprachbildern und lotet die Themen Identität, Übersetzung, Erwartung, Fremdheit, Scham und Material aus. Persönliche Aufzeichnungen, Essays, Redewendungen, wild aneinandergereiht oder anhand poetischer und alltäglicher Orte methodisch geordnet, werden zu einem Band voller Erinnertem und Imaginiertem verdichtet.

Die Texte der Autorin werden ergänzt durch Gastbeiträge von Chiara Cardelli und Claudia Calcagnile, ein Gespräch mit Ferdinand Schmatz und Zeichnungen von Rudi Klein. Italienischer und deutscher Text alternieren und erzeugen mit den farbigen Abbildungen auf Ausklappseiten am Ende jedes Kapitels eine multiperspektivische Text-Bild-Komposition.

Dieses choreografierte Buch widmet sich dem Phänomen des bloßen Körpers in der zeitgenössischen Performance. Die künstlerische Forschung stützt sich dabei auf einen philosophischen, biopolitischen und ethischen Diskurs, der für die Erscheinung bloßer Körper in der choreografischen Arbeit relevant ist und der einen Rahmen setzt für eine reflexive Bewegung zwischen Affekt und Ethik, sinnlicher Ansprache und Response.

Entblößungs- und Verschleierungshandlungen werden dabei kulturell verankert und in ihrer methodischen und nanopolitischen Bedeutung untersucht. Die Konzepte anarchische Verantwortung und Choreo-Ethik führen zu einer Neubewertung von Kontakt, Beziehung und Solidarität. Choreografie wird so als komplexes Feld von Offenbarungen verstanden, das auf Ökologien von Wahrnehmung und Handlungsfreiheit beruht.

Wir leben in einem Zeitalter allgegenwärtiger und berechneter Bilder: Welche Möglichkeiten haben Fotografinnen und Fotografen, sich einem historisch aufgeladenen Prunkgebäude zu nähern, ohne sich dabei in die Gefahr zu begeben, instrumentalisiert zu werden? Können Fotografien und künstlerische Arbeiten in einem leer stehenden Gebäude mehr erzählen als die Tatsache, dass das Gebäude vorübergehend nicht mehr seinem eigentlichen Verwendungszweck dient?

In einem Kooperationsprojekt der Universität für angewandte Kunst Wien mit der Parlamentsdirektion des österreichischen Parlaments hatten Studierende der Abteilung für angewandte Fotografie und zeitbasierte Medien die Gelegenheit, das historische Gebäude am Ring kurz nach dem Auszug des Parlaments fotografisch zu untersuchen und auf diese Fragen Antworten zu finden.

Rini Tandons Werk zeichnet sich durch eine poetische medienübergreifende Herangehensweise aus: Arbeiten auf Papier, Malerei und Skulpturen sind ebenso vertreten wie Fotografien und Videoarbeiten.

Die Monografie gibt erstmals einen Überblick über das Werk der in Indien geborenen und in Österreich lebenden Künstlerin, die bei Nasreen Mohamedi an der Faculty of Fine Arts der University of Baroda studierte.

Das Buch nimmt den Leser auf einen faszinierenden Parcours mit – von Rini Tandons frühen Arbeiten, die schon ihre Affinität zum Skulpturalen zeigen, über ihre postminimalistisch-geometrischen Skulpturen bis hin zu ihren Interventionen in den Architektur- und Landschaftsraum. In Auseinandersetzung mit der digitalen Moderne sind schließlich naturwissenschaftlich anmutende Versuchsanordnungen und Videos entstanden.

Sich mit Sammlungen anlegen untersucht das Thema des Sammelns aus einer kritischen Perspektive, die bisherige Vorstellungen von Museen und Archiven hinterfragt und erweitert. Ausgangspunkt sind Reklamationen, die bestehende Ausschlüsse und Zuschreibungen in Sammlungen adressieren; dann werden diverse Sammlungsstrategien neu gedacht.

Es gilt das Sammeln gegen den Trend zu medienwirksamen Ausstellungen und zur Ökonomisierung von Sammlungen wieder wichtig zu nehmen, um es im Hinblick auf Demokratisierung, Vermittlung, Relationalität und Immaterialität anders zu denken und langfristig zu verankern.

Neben theoretischen Texten und künstlerischen Beiträgen umfasst die Publikation schlaglichtartige Erörterungen: Statements von Sammlungsmacherinnen und -machern, die Sammlungen anlegen – und sich zugleich mit ihnen anlegen.

Kulturpolitik orientiert sich an Wertvorstellungen des demokratischen Zusammenlebens. Die aktuellen Krisenerscheinungen und eine damit verbundene Demokratiemüdigkeit stellen die Relevanz von Kunst und Kultur immer wieder infrage und machen eine Neukonzeption kulturpolitischer Anliegen notwendig.

Namhafte AutorInnen aus ganz Europa unternehmen den Versuch, den kulturpolitischen Diskurs neu zu beleben und Antworten auf drängende Zukunftsfragen zu geben. Dabei kommt den Kunstuniversitäten als kulturpolitischen Akteuren eine zentrale Aufgabe zu, um als innovative Kraft in die Gesellschaft hineinzuwirken. Die zumeist essayistisch gefassten Beiträge richten sich nicht nur an die Academic Community, sondern auch an eine breitere, an aktuellen kulturpolitischen Fragen interessierte Öffentlichkeit.

Visionäres Möbeldesign aus Wien

Wien verlor im Jahr 1938 seine kreativsten und besten Köpfe: Ein Riss in der Zeit, der sich quer durch alle Wissenschaften und Künste manifestierte und bis heute spürbar bleibt – auch im Möbeldesign.

Mit ihrer unerschöpflichen Kreativität wirkten die vertriebenen jüdischen Möbeldesignerinnen und -designer aus Wien im Exil weiter. Sie unterrichteten an den besten Universitäten und verbreiteten ihre Ideen und Visionen auf der gesamten Welt. Ihre Möbel wurden zu Designklassikern des 20. Jahrhunderts, zum Inbegriff des Mid-Century Modern Style.

Dieser Überblick ruft das Möbeldesign der vertriebenen Designerinnen und Designer in Erinnerung: Er vergegenwärtigt ihre Lebensgeschichten und ihre visionären Entwürfe, die heute aktueller sind denn je, und fördert neue Aspekte der Geschichte des Möbeldesigns aus Wien zutage.

Visionäres Möbeldesign aus Wien

Wien verlor im Jahr 1938 seine kreativsten und besten Köpfe: Ein Riss in der Zeit, der sich quer durch alle Wissenschaften und Künste manifestierte und bis heute spürbar bleibt – auch im Möbeldesign.

Mit ihrer unerschöpflichen Kreativität wirkten die vertriebenen jüdischen Möbeldesignerinnen und -designer aus Wien im Exil weiter. Sie unterrichteten an den besten Universitäten und verbreiteten ihre Ideen und Visionen auf der gesamten Welt. Ihre Möbel wurden zu Designklassikern des 20. Jahrhunderts, zum Inbegriff des Mid-Century Modern Style.

Dieser Überblick ruft das Möbeldesign der vertriebenen Designerinnen und Designer in Erinnerung: Er vergegenwärtigt ihre Lebensgeschichten und ihre visionären Entwürfe, die heute aktueller sind denn je, und fördert neue Aspekte der Geschichte des Möbeldesigns aus Wien zutage.

Das Buch als imaginärer Raum – der Raum als unendliches Buch, das es zu entblättern gilt: „Claudia Larcher – Rooms" entfaltet die vielschichtigen raum-zeitlichen Wirklichkeiten, welche die 1979 in Bregenz geborene und in Wien lebende Künstlerin in ihren Arbeiten erzeugt.

Larchers Fotografien, Collagen, Videoanimationen, (textile) Objekte und Installationen machen räumliche Grenzen elastisch; Raumkontinuen finden sich ins Unendliche gestreckt oder auf einen Nullpunkt komprimiert, ineinander verschoben oder neu gesampelt. In einem Akt der Aneignung werden Architektur-, Landschafts-, Natur-, aber auch Hautbilder wie Found-Footage-Material herangezogen, um die Oberflächen und Strukturen des Realen neu zu denken. Das Buch visualisiert die Werke der Künstlerin in zahlreichen Bildsequenzen.

Als Reaktion auf die dominante Wirkkraft und Deutungshoheit des Digitalen vereint Data Loam auf der Basis von Positionen der internationalen zeitgenössischen Kunstpraxis radikale Denkansätze.

Vorbei: das Beharren auf Indexikalität und die instrumentelle Reduktion des Wissens. Stattdessen: eine neue Metrik, die Spiel, Neugier, Experiment und Risiko fordert. Als dringende Antwort auf die stetig wachsende Informationsflut, der Bibliotheken, Suchmaschinen und kulturelle Einrichtungen ausgesetzt sind, werden Ansätze entwickelt, die sinnliche Logik, kausale Durchlässigkeit und neue Formen der Mensch-Maschine-Interaktion anregen und erlauben.

Data Loam beleuchtet die Zukunft von Wissenssystemen in Texten zu künstlicher Intelligenz, Kybernetik und Kryptoökonomie: als Gegenmittel zur Zerstreuung apokalyptischer Ängste.

„Der Tourist zerstört, was er sucht, indem er es findet.“ (H. M. Enzensberger) In ihren transmedialen künstlerischen Arbeiten untersucht Catherine Ludwig globale Phänomene des kollektiven Freizeitverhaltens und deren Auswirkungen auf die Erde. Ihre Werke geben Einblick in menschliche Beziehungen und die ihnen zugrunde liegenden Machtstrukturen. Im Blick auf Natur und öffentlichen Raum werden verschiedene Epochen und (Frei-)Räume durchleuchtet: Wie gestaltet sich öffentlicher Raum und das Erleben in ihm? Welche Vorstellungen von Natur etablieren sich? Und wie formen sie für touristische Zwecke erschlossene Räume? Es existiert eine Sehnsucht nach unberührter Natur, die in Bildern vermarktet wird, real jedoch kaum mehr zu finden ist. Denn im Zeitalter des Anthropozäns ist fast alles schon erschlossen und ausgebeutet.

Die aufwendig gestaltete Literaturzeitschrift JENNY wurde bereits zweimal als schönstes Buch Österreichs ausgezeichnet und erscheint nun in achter Ausgabe: Sie versammelt zeitgenössische Texte – Lyrik, Prosa und Drama – und wird als Jahresanthologie von Studierenden des Instituts für Sprachkunst der Universität für angewandte Kunst Wien herausgegeben. Als Resultat einer interdisziplinären Zusammenarbeit treffen künstlerische Typografie und Gestaltung auf experimentelle literarische Texte, die oft das Konventionelle herausfordern.

JENNY. Ausgabe 08 spiegelt die Bandbreite zeitgenössischer Literatur und Sprachkunst und umfasst überdies einen Essay von Ronya Othmann über Identitätspolitik und Aneignung sowie ein Interview mit Andra Schwarz, Artist-in-Residence im MuseumsQuartier Wien im Rahmen von „JENNY passiert“.

Ist der darstellerische Akt ein ursprüngliches Bedürfnis des Menschen? Woher kommt der Drang in uns, Theater zu schaffen? Die Religionen aller Welt bedienen sich der Macht des Rituals. Spiele beschäftigen den Menschen von der Geburt bis in den Tod in all ihren Variationen und Formen. Selbst den Tod kann man sich nicht anders erklären als über eine Inszenierung. Welcher Impuls in uns ist es, der uns dazu bringt, zu spielen? Und wie kann heutzutage kritisch gespielt, inszeniert, gestaltet werden?

Dieses Buch ist eine kritische Beschäftigung mit Spiel und Theater anhand von historischem Material und im Kontext von Foucaults Begriff „Biomacht" – gerade in Zeiten, in denen biopolitisch Macht durch das Steuern von Lebensprozessen ausgeübt wird, ist dies ein wichtiges philosophisches Unternehmen.

Ausgehend von den Erkenntnissen von FAUNA (2018), führen die bildende Künstlerin Elena Peytchinska und der Dichter Thomas Ballhausen im Rahmen von FLORA eine weitere Auseinandersetzung mit heutiger Information und deren Theoretisierung. Peytchinskas Pflanzendiagramme und Ballhausens literarische Texte entwerfen eine Textur: nicht nur von Landschaften der Information und ihrer Ordnungen, sondern auch von der dialogischen, lesbar gemachten sprachkünstlerischen Praxis. Im Buch, gleichermaßen Objekt wie Ort, werden geometrische und topologische Strategien zu einem erneuerten räumlichen Denken verbunden. FLORA kartografiert diese Räume und erschließt die vernetzten Territorien mit den ästhetischen und wissenschaftlichen Mitteln der Sprachkunst.

JENNY, die Jahresanthologie des Instituts für Sprachkunst an der Universität für Angewandte Kunst in Wien, schafft Raum für deutschsprachige Texte junger Autorinnen und Autoren. Sie unterstreicht die Vielfalt literarischer Gattungen und Gattungsübergängen und hinterfragt Positionen, Haltungen und Trends der Literatur. JENNY präsentiert sich auch in ihrer siebenten Ausgabe gewohnt aufwendig und grafisch hochwertig. Mit 17 Texten erfasst sie eine weite Bandbreite der Möglichkeiten zeitgenössischer Literatur. Von Studierenden herausgegeben, ist JENNY jedes Jahr erneut innovativ und bricht Altes auf. Ein Spiegel der Gegenwart und damit kontinuierlich fluid, ruht sie doch auf graphischen Fundamenten, die im Publikum einen Wiedererkennungseffekt erzeugen.

Mehr als tausendmal pro Jahr, vor jedem Essen, selektieren, zerteilen, erhitzen, verrühren und kombinieren, also gestalten Menschen Rohstoffe und Grundprodukte für Gerichte und Lebensmittel. Wie laufen der Gestaltungsprozess der Verarbeitung und die damit verbundenen Entscheidungen von der Selektion eines Lebensmittels über die Definition als Essware bis hin zur Konsumation ab?

Das vorliegende Buch untersucht, woher die Formen unserer Nahrung kommen, welche Faktoren bei ihrer Gestaltung eine Rolle spielen und wie Essobjekte auch als Zeichen fungieren und derart Inhalte und Bedeutungen vermitteln. So vermag dieses Buch das Wissen über Entstehung, Inhalt und Bedeutung von Esswaren zu erweitern und zu reflektieren.

ARACHNE ist ein Almanach für Kleidung und Kultur aus Wien, der Geschichten über Mode, das Leben, Style, Popkultur, Musik und Kunst miteinander verwebt. Er dokumentiert, präsentiert und kommentiert die Arbeit der Modeklasse der Universität für angewandte Kunst Wien, webt sein Netz aber auch über die Grenzen der Stadt hinaus und erkundet so einen Mix an einzigartigen Mode-Editorials, Illustrationen, Essays und Kunst, Kurzgeschichten, Rezensionen und Interviews.

Seinen Namen verdankt der Alamanch der Figur aus der griechischen Mythologie, die in der Kunst des Webens so geschickt war, dass selbst Athene, die griechische Göttin der Weisheit, der Künste und des Handwerks, sie in einem Wettbewerb nicht besiegen konnte. Zur Strafe für ihren Übermut wurde Arachne von Athene in eine Spinne verwandelt.

iheartblob macht von einer neuen Bildsprache der Architektur Gebrauch. Entwürfe werden hier nicht in Grundriss und Schnitt visualisiert; Renderings, Mixed-Reality-Objekte (die körperlich und in Augmented Reality dargestellt werden) wie auch Animationen sind die Medien, in denen das Erbe des Mathematikers Lagrange reflektiert wird.

Auf visuelle Weise, aber auch anhand von kurzen theoretischen Texten ermöglicht das Buch neue Diskussionen um den gegenwärtigen theoretischen und kulturellen Rahmen – und damit auch um die „Krise des Denkens“, in der sich nicht nur die Architektur befindet. Während sich der theoretische Rahmen auf die Kernsätze der objektorientierten Ontologie beruft, werden in einem nächsten Schritt die theoretischen Prinzipien der Postmoderne und des poststrukturalen Formalismus zu entwirren versucht.

Die stetige Einführung von digitalen Entwurfswerkzeugen in die Berufspraxis beeinflusst nicht nur das Architekturprodukt an sich, sondern verändert auch den zugrundeliegenden Entwurfsprozess. Ein digitaler Entwurfsprozess, der das Potenzial digitaler Design-Tools voll ausnutzt, unterscheidet sich mehr und mehr von einem papier- und bleistiftbasierten Entwurfsprozess.

Diese Publikation zeigt, wie die digitalen architektonischen Entwurfswerkzeuge den Bildungsprozess zukünftiger Architekten verändern. Sie geht davon aus, dass die Verwendung von digitalen Entwurfs- und Herstellungswerkzeugen eine Anpassung des Architekturlehrplans erfordert. Ebenso schlägt sie die Entwicklung eines neuen Bildungsmodells für digitale architektonische Gestaltung vor, das sich signifikant vom traditionellen pädagogischen Modell absetzt.

Die spekulative Erzählung AFTER ABUNDANCE imaginiert eine durch den Klimawandel veränderte Alpingesellschaft, in der menschlicher Erfindungsgeist und Solidarität der Schlüssel zum Überleben sind. Das Werk zeigt, wie lokale Gemeinschaften diesen neuen Herausforderungen mit Traditionen und Technologien unter Einsatz von handwerklichem Geschick und Einfallsreichtum begegnen, um sich in der veränderten Umgebung weiterhin zu entfalten. In der Begegnung mit Experimenten, rechtlichen Kunstgriffen, Protesten und Performances werden die LeserInnen eingeladen, sich in das Leben von Menschen einer möglichen Zukunft hineinzuversetzen.

Der österreichische Beitrag zur 2. London Design Biennale gibt auch Einblick in die Arbeit von Studio Design Investigations unter der Leitung von Anab Jain, Universität für angewandte Kunst Wien.

Pionierin der Architekturgeschichte

Margarete Schütte-Lihotzky (1897–2000) ist mit der Frankfurter Küche in den Kanon der Moderne eingegangen. Sie gilt zudem als Pionierin der sozialen Architektur, als Aktivistin der Frauenbewegung und nicht zuletzt als Heldin des Widerstands gegen die Nazidiktatur.

Neueste Forschungen aus dem Feld der Kunst- und Zeitgeschichte, Pädagogik und Gender Studies zeichnen ein differenziertes Bild der Architektin, deren Nachlass sich an der Universität für angewandte Kunst Wien befindet. Der Band beleuchtet ihr reiches architektonisches Œuvre, ihre transnationalen Erfahrungen und beruflichen Netzwerke, ihren wenig beachteten politischen Werdegang als Kommunistin und nicht zuletzt ihre aktuelle Rezeption. Er präsentiert Margarete Schütte-Lihotzky, eine Ikone der Architekturgeschichte, jenseits aller Mythen.

1951 erhielten Konrad Wachsmann und seine Abteilung am IIT seitens der US Air Force den Auftrag, mit den von ihm bereits vorgedachten Strukturmodellen nichts weniger zu untersuchen als eine gänzlich neue Methode der Konstruktion.

Das aus dieser Arbeit entwickelte ikonografische Modell des USAF-Hangars war ein tatsächlicher „Wendepunkt im Bauen“: Die entworfene Struktur stellt ein nahezu futuristisches Versprechen einer voll industrialisierten Baukultur dar, deren Bildhaftigkeit zugleich unmittelbare Grundlage diverser Architekturavantgarden wurde.

Stressing Wachsmann unternimmt den Versuch, Konrad Wachsmanns Leistung für die Architekturgeschichte endlich angemessen zu verorten und dabei auch die geistigen wie materiellen Bedingungen des Konstruierens von damals und heute kritisch miteinander zu vergleichen.

In den letzten zehn Jahren erlangte die SLIVER-Vortragsreihe internationale Anerkennung als ein Forum, auf dem junge und etablierte Designer, Künstler und Theoretiker neue Ideen vorstellen und austauschen können. In Ergänzung des 150-jährigen Jubiläums der Universität für angewandte Kunst präsentierte SLIVER als „Positions" die Arbeiten und Ideen, die über die letzten drei Jahrzehnte von AbsolventInnen am Institut für Architektur entstanden sind. Die vorliegende Publikation präsentiert diese als einen Schnitt durch die Zeit und als pulsierenden Austausch über die Herausforderungen, denen sich Ausbildung und Praxis der Architektur, Forschung und Designkultur in der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft gegenübersehen.

Otto Prutscher (1880-1949) gilt in Fachkreisen als einer der bedeutendsten österreichischen Architekten und Gestalter von Innenräumen und kunstgewerblichen Gegenständen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Mit ihrem Einzug in die von Prutscher umgestaltete Villa Rothberger begann für die Mit-Autorin Hermi Schedlmayer das Aufspüren von Prutschers Entwürfen und ausgeführten Objekten: Aktuell zählt die Datenbank über 5.500 Einträge.

Dieses Werk vereint die wissenschaftliche Aufbereitung seiner umfangreichen Tätigkeiten mit der in dieser Form erstmaligen tieferen Auseinandersetzung mit einem Menschen, der von der Aufbruchsstimmung der Jahrhundertwende bis hin zum Berufsverbot während der Nazidiktatur vieles erlebte und in seinem künstlerischen Werk verarbeitete.

JENNY, die Jahresanthologie des Instituts für Sprachkunst der Universität für Angewandte Kunst in Wien, ist eine Plattform für junge Autorinnen und Autoren zeitgenössischer Literatur in allen Gattungen und Gattungsübergängen. Sie bietet Raum für literarische Entfaltungen aller Art und hinterfragt die Positionen und Haltung literarischen Schaffens der Gegenwart in Inhalt und Form. Der optische Aufwand in Gestaltung und Konzeption stellt nicht allein den hohen Wiedererkennungswert von JENNY in ihrer sechsten Ausgabe sicher, sondern stellt vor allem einen notwendigen Bezug zu künstlerischer Interdisziplinarität her.

Im Kontext digitaler Technologien ist das Kopieren von Datenmaterial gleichermaßen allgegenwärtig wie unsichtbar. „originalcopy" ist ein künstlerisch-wissenschaftliches Forschungsprojekt, das die Möglichkeiten dieses Phänomens beleuchtet und mit seinen eigenen Mitteln – jenen der Kopie – zur Diskussion stellt.

Das Projekt konzentriert sich dabei auf das Spannungsfeld zwischen der Flüchtigkeit digitaler Technologien und der Art und Weise, wie sich diese Technologien in einer künstlerischen Formen- und Materialsprache zum Ausdruck bringen. „originalcopy" ist dabei weniger an den Ergebnissen des Kopierens selbst interessiert, als vielmehr an den Prozessen, die zu diesen Ergebnissen führen.

Das Buch präsentiert sämtliche druckgrafische Werk des Künstlers Jan Svenungssons, der seit 2011 für Druckgrafik an der Universität für angewandte Kunst Wien verantwortlich ist, begleitet von einem Text, in dem sich praktische Informationen, Erzählungen und Spekulationen ebenso reibungslos wie unterhaltsam mischen.

Sein übergeordnetes Ziel ist es, die Bedeutung von Druckgrafik in der Gegenwartskunst kritisch zu diskutieren und noch spezifischer: die Rolle des eigenhändigen "Making" (des Machens) zu beleuchten – in einer Zeit, in der sich Bedingungen für das Ausüben von Kreativität rasch verändern: Welche Auswirkungen hat die Wahl der Werkzeuge des Künstlers? Was bedeutet Authentizität in die heutigen Kunst? Wie verändert sich die Rolle des Künstlers, wenn er sich von künstlicher Intelligenz abhängig macht?

Wie kann Kunst die Gesellschaft verändern? Welche ästhetische Qualität hat der Dialog in der Kunst? Welche Rolle spielt Autonomie in dialogischer Kunst?

"Dialogical Interventions" untersucht, wie sich dialogische Kunst zwischen den Polen von sozialem Engagement, ästhetischer Autonomie und gesellschaftlicher Veränderung bewegt. Aufsätze von internationalen AutorInnen sowie Interviews mit sozial und politisch engagierten KünstlerInnen und Kollektiven nehmen die Relevanz dialogischer und interventionistischer Praxen und ihre Rolle bei der Vermittlung neuer Formen von Wissen und Erfahrung durch Kunst in den Blick und eröffnen so neue Perspektiven für dieses spannende Aktionsfeld. Zwischen den einzelnen Texten dokumentieren KünstlerInneninserts soziale Kunstpraxen auf einer visuellen Ebene.

Essays von: Mary Jane Jacob, Boris Groys, Suzana Milevska, Barbara Putz-Plecko, Martin Krenn

Interviews mit: Gerald Bast, Aisling O’Beirn, Gluklya, Renate Höllwart, Elke Smodics (trafo.K), Florian Malzacher, Alastair McLennan, Christina Varvia　(Forensic Architecture), Selda Asal

Projekte/Interviews von: Liliane-Sarah Kölbl, Cornelia Kolmann, Nora Licka, Nina Kugler, Lea Jank, Ariana Joya Mc Manus, Shobha Untersteiner, Tanja Happel, Rosie Benn, Marius Fischer, Johanna Folkmann, Eve Sherl

Wieso geraten in Informationszeitalter und globaler Marktwirtschaft Werte derart in Widerstreit miteinander, dass eine Krise entsteht? Vor ideengeschichtlichem Hintergrund sind ihre Ursachen mit Bezug auf realpolitische Sachverhalte zu untersuchen.

Das Ende der Metaphysik, Probleme des Rationalismus, entfesselter Kapitalismus, Anthropotechnik, kultureller Wandel und Demokratiekrise sind wohlbekannte Phänomene, mit denen sie einhergeht oder die sie bedingen. Gibt es Möglichkeiten, diese Krise zu beenden? Oder bleibt es beim unvermeidbaren Kampf der Werte und ihrer Anhänger gegeneinander?

Die Beiträge aus Kunst-, Kultur-, Literatur- und Medienwissenschaften, Kulturökonomie und Philosophie arbeiten die medienübergreifende wie vernetzende Schlüsselfunktion heraus, die Kunst und Kultur in dieser Wertedebatte zukommt.

Rosemarie Benedikt ist eine der international profiliertesten Keramikerinnen aus Österreich und als Glaskünstlerin nahezu singulär. Tierskulpturen aus Glas bilden einen der Höhepunkte ihres Schaffens und deshalb den Schwerpunkt dieses Buches.

Auf Murano, wo die Glasbläserei seit Jahrhunderten in höchster Meisterschaft gepflegt wird, werden ihre Entwürfe im Studio Berengo in farbig leuchtende Tierwesen umgesetzt. Einzeln oder in phantasievollen Kombinationen erfreuen sie die Betrachter nicht nur durch Farbe, Glanz und Transparenz, sie zeigen auch feinen Humor und leichte Ironie. Nasenbären, Katzen, Ameisen, Bienen, Fische sind beliebte Themen, massiv und doch schwerelos folgen sie dem originären Stil der Künstlerin.

In den letzten zwanzig Jahren haben wirtschaftliche Kriterien und Erwägungen im gesamten Ausstellungsfeld zunehmend an Bedeutung gewonnen und zeitigen Auswirkungen auf Organisationsformen. Mittlerweile stellt sich vielerorts die praktische Frage, welche konkreten, praktische Folgen die Kritik an der Ökonomisierung öffentlicher Institutionen in diesen selbst haben könnte: Wie lassen sich Museen und Ausstellungsorganisationen anders organisieren? Und wie wollen sie anders arbeiten?

Die Publikation Gegenöffentlichkeit organisieren. Kritisches Management im Kuratieren versammelt Beiträge aus Theorie und Praxis: sie reflektieren Organisationsstrukturen und Arbeitsbedingungen, formulieren Vorschläge und wollen sich nicht damit abfinden, kritisch zu denken und unkritisch zu handeln.

Der Zeichner Markus Roskar und der Mathematik-Professor Georg Glaeser (beide lehren an der Universität für angewandte Kunst in Wien) haben ein ,,Mathematikbuch der anderen Art'' geschrieben. In ihm verliert Mathematik ihr Image als unzugängliche, sperrige Wissenschaft und erhält eine nachvollziehbare wie emotionale Dimension.

Das Buch ist auf einem Doppelseiten-Prinzip aufgebaut: Jede Doppelseite weist eine fast immer humorvolle professionelle Zeichnung auf, die sich auf den Text der anderen Seite bezieht. Dieser Text ist locker, oft humorvoll, aber immer mathematisch korrekt geschrieben. Zumeist behandelt er ein Thema des Alltags, das einen mathematischen Hintergrund hat, oder eine unorthodoxe mathematische Fragestellung. Der Leser kann mit einer Fülle von anspruchsvollen und überraschenden Ergebnissen rechnen.

Der Zeichner Markus Roskar und der Mathematik-Professor Georg Glaeser (beide lehren an der Universität für angewandte Kunst in Wien) haben ein ,,Mathematikbuch der anderen Art'' geschrieben. In ihm verliert Mathematik ihr Image als unzugängliche, sperrige Wissenschaft und erhält eine nachvollziehbare wie emotionale Dimension.

Das Buch ist auf einem Doppelseiten-Prinzip aufgebaut: Jede Doppelseite weist eine fast immer humorvolle professionelle Zeichnung auf, die sich auf den Text der anderen Seite bezieht. Dieser Text ist locker, oft humorvoll, aber immer mathematisch korrekt geschrieben. Zumeist behandelt er ein Thema des Alltags, das einen mathematischen Hintergrund hat, oder eine unorthodoxe mathematische Fragestellung. Der Leser kann mit einer Fülle von anspruchsvollen und überraschenden Ergebnissen rechnen

Seit künstlerische Forschung zu einem etablieren Paradigma in der Kunstvermittlung wurde, stellen sich Fragen: Wie bilden wir junge KünstlerInnen und DesignerInnen aus, damit sie sich aktiv an der Produktion von Wissen und ästhetischen Erfahrungen in einem erweiterten Bereich beteiligen? Wie bereiten wir die Studierenden am besten auf ihre eigene künstlerische Forschung vor? Was soll ein Curriculum umfassen, das einer veränderten Lern,- Produktions- und Forschungslandschaft gerecht werden will? Und inwiefern unterscheidet sich die Lehre von «Kunst» von der Lehre «künstlerische Forschung»? Welche besonderen Fähigkeiten und Kompetenzen sollte ein Lehrender aufweisen?

Auf der Basis eines Symposiums an der Universität für angewandte Kunst Wien bietet das Buch eine Vielzahl von durchdachten Antworten.

Kunst und Wissenschaft – beide Disziplinen hinterfragen Konzepte und Theorien, erschließen neue Zusammenhänge und machen abstrakte Informationen greifbar. Für beide sind Kreativität und die Fähigkeit zur Visualisierung wichtige Triebfedern. „Looking Glass" verknüpft die beiden Genres auf spielerische Art und Weise: die Fotografie mit der Molekularbiologie.

Das Buch vermittelt hochkomplexe Inhalte auf emotional-ästhetische Weise und stellt so molekulare Grundlagenforschung in ein neues Licht: Wegweisende, am IMBA erarbeitete und in renommierten Medien (Nature, Cell, Science u.a.) publizierte Erkenntnisse der Lebenswissenschaften werden – durch angewandte Fotografie visualisiert – in einzigartige Fotostrecken transformiert, die den fundamentalen Mechanismen des Lebens Geschichten einhauchen.

Das Buch macht anschaulich, dass angeblich veraltete analoge Praktiken in der zeitgenössischen fotografischen und filmischen Kunst nicht nur größte Aktualität, sondern auch kritisches Potenzial besitzen. Am Beispiel von künstlerischen Praktiken, die der Idee des Fotografischen und/oder Kinematischen verpflichtet sind, nicht aber zwingend zu Fotografien oder Filmen führen, wird dargelegt, auf welch vielfältige Weise das Dispositiv – der Apparatus – ausgelotet, zerlegt, reflektiert, modifiziert und neu arrangiert werden kann. Die Beiträge, auch aus Kooperationen zwischen KünstlerInnen und WissenschaftlerInnen hervorgegangen, nehmen die dazu erforderlichen technisch-materiellen Verfahren in den Blick und zeigen, dass ein Wissen um mediale Differenz nicht zuletzt auch von gesellschaftspolitischer Relevanz ist.

Heute ist oft von einem „Museum der Zukunft" die Rede: als Kontaktzone, Arena, Forum und Plattform – vielleicht sogar als besetzter Raum: Das Museum der Zukunft wäre radikaldemokratisch.

Im Hinblick auf eine Neudefinition des Museums aktualisiert Nora Sternfeld Ansätze aus Museologie, Vermittlung und Erinnerungskultur. So verfolgen die Texte dieses Bandes Strategien, die das Archiv herausfordern, Museumsraum aneignen, alternatives Wissen produzieren und Bildung neu denken.

Das Museum wird dabei zu einem Versammlungsraum, der es erlaubt, sich damit auseinanderzusetzen, was geschehen ist, darüber zu verhandeln, was dies für die Gegenwart bedeutet und wie sich eine Zukunft imaginieren lässt, die mehr ist, als bloß die Verlängerung der Gegenwart.

In Europa erfand man sich aus den bruchstückhaften Informationen über China seit den ersten Berichten der Jesuiten zunächst das utopische Bild eines aufgeklärten Staates, das man in spielerischer Weise in die eigene Welt – meist als Architektur-Chinoiserie oder als mit chinesischen Papierbildern tapezierte Räume – integrierte. Dort spielte man sozusagen China.

Am Ende des 18. und Beginn des 19. Jahrhunderts lösten Übersetzungen originaler chinesischer Literatur die im Westen erfundenen „chinesischen" Geschichten ab. Goethe, Heine und Rückert waren fasziniert von der „Zierlichkeit" (Goethe) dieser literarischen Welt. Der Kolonialismus führte zu einem vollständigen Wandel der Wahrnehmung Chinas und der Chinesen. Die Vorstellung von ihrer besonderen Grausamkeit wurde populär und endete im Slogan von der gelben Gefahr.

Das hinderte jedoch nicht, dass sich während dieser Auseinandersetzungen, vor allem vermittelt über Japan und die begeisterte Aufnahme japanischer Kunst im Europa der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, eine neue Wissenschaft – die Sinologie – und damit auch die Wertschätzung der bis dahin unbekannten „Malerei der Gelehrten" und ihrer Kunsttheorie zu etablieren begann. Vom europäischen Blick auf China, den vielfältigen Beziehungen Europas zu China und Missverständnissen, den auf Bildwelten gegründeten Narrativen und dem Spiel Europas mit einem fiktiven China handelt das letzte große Buch von Hans Holländer.

Das Künstlerbuch Bernhard Kleber - Passion versammelt zum ersten Mal das umfassende Schaffen des Professors für Bühnenbild Bernhard Kleber, insbesondere seine fotografischen Arbeiten: sie begleiten das Making of seiner theatralen Arbeiten und inspirieren es gleichzeitig.

Tagebuchartig auf Reisen erstellte photographische Notizen stehen neben (Selbst)Portraits, Stillleben und Bildern seiner Bühnenbilder. Über eine pure Dokumentation hinausgehend, werden die eigenen Fotos teilweise übermalt und verfremdet und dann nochmals fotografiert. Es entsteht eine manische Bilderwelt voller Leidenschaft für das fotografische Abbild, die mit neuen Blickwinkeln und Bilderzählungen die Aspekte des Lebens durchdringt: offensiv ins Private gehend, ohne dieses jedoch zu entschlüsseln oder zu entzaubern.

Im transdisziplinären Austausch erforscht der Künstler Nikolaus Gansterer neue Formen von Diagrammen und zeigt ihr performatives Potential in Prozessen ästhetischer Sinnfindung.

In beiden Bänden werden grundlegende Thesen zur Figur – zu Denkfiguren wie choreo-graphischen Figuren – formuliert und eine innovative Diagrammatik in Theorie und Praxis entwickelt.

Die Klasse für Transmediale Kunst an der Universität für Angewandte Kunst Wien beschäftigt sich mit transdisziplinären Ansätzen bei der Entwicklung und Realisierung von Kunst. Ihr Fokus liegt dabei auf raum- und zeitbasierten künstlerischen Konzeptionen, die in kritischer Auseinandersetzung mit theoretischen und praktischen Methoden entstehen und kommunikative, performative und prozessuale Aspekte aufgreifen.

Die Publikation gibt einen Überblick über die vielfältigen medialen Produktionen, die in den vergangenen zwei Jahrzehnten unter der Leitung der international renommierten Künstlerin Brigitte Kowanz entstanden sind. Umfassender Bildteil mit Diplomarbeiten, Projekten, Ausstellungen und Performances. Mit Textbeiträgen von Gerald Bast, Verena Dürr, Patrick Lichty, Claudia Slanar u.a.

Menschen können ihr Denken zur Gestaltung der Welt verwenden; Kunst eröffnet neue Perspektiven. Beide sind möglicherweise die Wege zum Frieden – zu einem Frieden, der mehr ist als die Abwesenheit von Krieg, der Widersprüche als energetisches Feld in Erkenntnisse zu transformieren weiß, der die Spannung zwischen Differenzen zu halten versteht. Wie können wir diesen aktiven Frieden denken? Welche Kompetenzen können den Prozess der Entwicklung aktiven Friedens unterstützen? Welche Rolle kann die Kunst dabei spielen?

Dieses Buch bietet unterschiedliche Positionen zum Verhältnis von Denken, Kunst und Frieden an. Es lädt zu wechselseitigen Dialogen ein, bietet keine eindeutigen Antworten und erfüllt nicht Wünsche nach Gewissheiten und klaren Definitionen. Hier melden sich Gedanken zu Wort.

Das Engagement für das kulturelle Erbe dieser Welt, sei es nun in Nepal, Indien, China, Myanmar, Thailand oder der Mongolei, ist die Aufgabe des Instituts für Konservierung und Restaurierung. Es begann 2004 in Nako, auf 4000m Höhe im Himalaja, für seine Leiterin Gabriela Krist, Kollegenschaft und Studierende eine internationale Tätigkeit und damit eine Reise, die bis heute andauert.

„Beyond Borders" trägt zum ersten Mal sowohl dem professionellen als auch dem persönlichen, menschlichen Aspekt dieser Aufgabe Rechnung. Das reich illustrierte Buch begleitet das Team beim Blick über den Tellerrand, bei der Erweiterung des Horizonts. Denn die internationale Konservierungsarbeit des Instituts setzt nicht nur fachliche Kompetenz voraus, sondern auch Kreativität und Flexibilität.

2018 sind die Künstlerin Elisa Rose & der Musiker Gary Danner mit STATION ROSE/STR 30 Jahre im Bereich Digital Art tätig. In der Zeit erfolgte die Transformation einer rein analogen zu einer neuen, untrennbar verschmolzenen digital-analogen Welt. Schon 1988 postulierte STR: „Der Ausgang dieser Geschichte findet überall statt". Er findet nun tatsächlich überall statt: die Welt ist für immer vernetzt und überwacht, transparenter, aber auch kontrollierter.

Wie haben Kunst und Musik sich verändert? Zu "30.0" entfaltet STR, nach Jahren im Ausland nun wieder in Wien, ihre Themen der letzten Jahre: Ausstellungen, Installationen, Performances, das Netz, die Natur, Kompositionen, TV- & Radio-Produktionen. STATION ROSE 30.0 enthält AUGMENTED REALITY. Mit Texten von Angela Stief, Katharina Gsöllpointner, Nate Hitchcock, Lucas Gehrmann u.a.

Den Begriff des Tier(reichs) aufnehmend, entwerfen zwölf literarische Texte Ballhausens eine Zoologie des Imaginären. Auf der Basis des vierzehnteiligen mathematischen Denkspiels Stomachion entwickeln die digitalen Zeichnungen Peytchinskas ein Netz, ein sich faltend durch den Buchraum bewegendes theoretisches Tier (Origamion). Seine Linien, die gleichzeitig als Grenze und als Erweiterung von Sprache zu verstehen sind, verschränken sich in ihrer Bewegung mit dem Text. Literatur und Zeichnung treten in Dialog, ein Atlas der Sprachkunst manifestiert sich in Form einer neuen Ordnung.

So wird FAUNA als ein zu öffnender Denkraum erfahrbar, ohne dass die Lesbarkeit dieser künstlerischen Unternehmung beeinträchtigt wird – Zeichnungen und Texte treffen sich als Akteure auf der Bühne des Buchraums.

Anlässlich der Emeritierung Patrick Werkners, Kunsthistoriker und langjähriger Leiter von Kunstsammlung und Archiv der Universität für angewandte Kunst Wien, widmen ihm seine Freunde und Weggefährten ein Buch mit mehr als 30 künstlerischen und wissenschaftlichen Beiträgen zu seinen weit gefächerten Arbeitsfeldern: zur Kunst- und Musikgeschichte, zur Gegenwartskunst, zu Sammlungspraxis und zahlreichen weiteren kulturwissenschaftlichen sowie theoretischen Themen. Einen Schwerpunkt bildet die Wiener Moderne, insbesondere der Umkreis Oskar Kokoschkas.

Der Erste Weltkrieg war der erste große bewaffnete Konflikt, der umfassend fotografisch festgehalten wurde – nicht ohne Grund fand die „Urkatastrophe des 20. Jahrhunderts" in Form seiner fotografischen Wiedergabe Eingang ins kollektive Gedächtnis.

Am Beispiel von Fotografien, die im Ersten Weltkrieg veröffentlicht wurden, untersucht das Buch auf ungewöhnliche Weise, wie die österreichischen Illustrierten die Aufgabe erfüllten, mit Bildern Emotionen zu schüren und zu kanalisieren: sie zu kollektivieren.

Der historische Teil leistet die Kontextualisierung der Aufnahmen in technik- und fotografiegeschichtlicher sowie sozioökonomischer Hinsicht. Im literarischen Teil sieht man einem fiktiven Pressefotografen bei der Arbeit zu, der die im wissenschaftliche Text behandelten Aufnahmen anfertigt.

Im 18. Jahrhundert wurden die Alpen zum Topos einer neuartigen Naturbetrachtung, die sich im Begriff des Sublimen und Erhabenen kristallisierte. Zwischen Schrecken und Faszination changierend, löste dieser Gefühlszustand eine erregende Grenzerfahrung aus: Reisende suchten sehnsuchtsvoll die Welt der Berge auf und projizierten ganz unterschiedliche Träume in die noch zu erschließende „wilde Natur" .

Auf welche Weise hat das Erhabene die Architektur in den Alpen vom Beginn des Tourismus bis heute beeinflusst? Mit dieser Leitfrage analysiert die Autorin die alpine Architektur längs der Architekturgeschichte und liefert zudem eine kritische Betrachtung des heutigen Tourismus. Ein Buch, das inspiriert: zum Nachdenken über das zukünftige Bauen in den Alpen und über unsere Beziehung zur Natur.

Im 18. Jahrhundert wurden die Alpen zum Topos einer neuartigen Naturbetrachtung, die sich im Begriff des Sublimen und Erhabenen kristallisierte. Zwischen Schrecken und Faszination changierend, löste dieser Gefühlszustand eine erregende Grenzerfahrung aus: Reisende suchten sehnsuchtsvoll die Welt der Berge auf und projizierten ganz unterschiedliche Träume in die noch zu erschließende „wilde Natur" .

Auf welche Weise hat das Erhabene die Architektur in den Alpen vom Beginn des Tourismus bis heute beeinflusst? Mit dieser Leitfrage analysiert die Autorin die alpine Architektur längs der Architekturgeschichte und liefert zudem eine kritische Betrachtung des heutigen Tourismus. Ein Buch, das inspiriert: zum Nachdenken über das zukünftige Bauen in den Alpen und über unsere Beziehung zur Natur.

Im 18. Jahrhundert wurden die Alpen zum Topos einer neuartigen Naturbetrachtung, die sich im Begriff des Sublimen und Erhabenen kristallisierte. Zwischen Schrecken und Faszination changierend, löste dieser Gefühlszustand eine erregende Grenzerfahrung aus: Reisende suchten sehnsuchtsvoll die Welt der Berge auf und projizierten ganz unterschiedliche Träume in die noch zu erschließende „wilde Natur" .

Auf welche Weise hat das Erhabene die Architektur in den Alpen vom Beginn des Tourismus bis heute beeinflusst? Mit dieser Leitfrage analysiert die Autorin die alpine Architektur längs der Architekturgeschichte und liefert zudem eine kritische Betrachtung des heutigen Tourismus. Ein Buch, das inspiriert: zum Nachdenken über das zukünftige Bauen in den Alpen und über unsere Beziehung zur Natur.

Die Publikation "Gegen den Stand der Dinge" reflektiert eine aktuelle Verschiebung in der musealen Auseinandersetzung mit materieller Kultur. Denn in den letzten Jahren sind die Dinge in Museen und Ausstellungen neu in den Fokus gerückt: ihnen wurde von den "material culture studies" über die Soziologie bis zur zeitgenössischen Kunst eine entscheidende Handlungsmacht attestiert.
Die Beiträge des Buches verfolgen "Dinggeschichten" und "Objektkarrieren", sie loten neue Debatten um einen Neomaterialismus aus und eröffnen unerwartete Perspektiven auf Sammlungsgegenstände. Aus Sicht der Kunsttheorie, der Material- und Kulturwissenschaften fragen sie nach neuen Methoden und Herangehensweisen an Produktionsbedingungen, Erinnerungspraktiken, Materialitäten und Objekte in Museen und Ausstellungen.

Das Werk diskutiert an den Themen Landschaft, Kunst, und öffentlicher Raum eine Neudefinition des Verhältnisses von Mensch und Natur gemäß der These des Anthropozän, nach der wir unseren Planeten und sein Ökosystem so irreversibel verändert haben, dass wir selbst zu einem geologischen Faktor geworden sind: Wir müssen nicht um unser Überleben in der Natur bangen, sondern auch um sie selbst, weil ja der Mensch die Natur mache.

Drawing a Hypothesis ist ein Lesebuch über die Ontologie von Visualisierungsformen und die Entwicklung der diagrammatischen Perspektive und ihrer Anwendung in Kunst und Wissenschaft.

Nikolaus Gansterer zeigt an Hand seiner künstlerischen Praxis, dass Zeichnen ein zentrales Medium der Forschung ist, das neue Formen der Narration ermöglicht und spürt gleichzeitig das spekulative und performative Potential von Diagrammen auf. Auf Grund der Möglichkeit zwischen Wahrnehmung und Reflexion zu vermitteln, spielt die Zeichnung in der Produktion und Kommunikation von Wissen eine wesentliche Rolle. Die Publikation ist ein umfassendes Kompendium von Denkfiguren, das sich entlang der Grenze von wissenschaftlicher Darstellbarkeit mit künstlerischen Mitteln und vice versa bewegt.

• Wieder lieferbar: Gansterers Erfolgstitel
• Einführung in die Ontologie und Kunst der diagrammatischen Formen und Figuren
• Über 50 großformatige Diagramme und Modelle
• Inklusive einer Faltkarte mit Denkfiguren

Neue Methoden künstlerischer Forschung

Choreo-graphic Figures: Deviations from the Line inszeniert einen disziplinübergreifenden und inter-subjektiven Begegnungsraum zwischen Choreographie, Schreiben und Zeichnen, um mit genuin künstlerischen Mitteln jene Formen des Denken-Fühlen-Wissens zu erforschen, die im Spannungsfeld kollaborativer Praxis entstehen.

Die Publikation ist als Werkstatt und Laboratorium konzipiert, das kritische Überlegungen und experimentelle Herangehensweisen in Bezug auf die qualitativ-prozessualen, ästhetisch-epistemologischen und ethisch-empathisch Dynamiken des performativen Handelns entwickelt. Die Aufmerksamkeit wird systematisch auf jene affektiven Wirkkräfte und situativen Intensitäten gelenkt, die vor, zwischen und unterhalb klar lesbarer Gesten künstlerischer Praktiken agieren.

• Innovative Methoden experimenteller Notationsformen
• Mit Beiträgen u.a. von Alex Arteaga, Adrian Heathfield, Erin Manning, Dieter Mersch, Alva Noë, Catherine de Zegher

Als das Porträt einer Randgruppe fordert dieses Buch zur Auseinandersetzung mit dem Phänomen Outcast heraus, indem es das vielfältige Material, das in zahlreichen Projekten künstlerischer Forschung mit weiblichen Drogenabhängigen in europäischen Gefängnissen und Therapieeinrichtungen entstanden ist, ordnet und in einen Zusammenhang bringt. Die Bedingungen, die sich in sozialen Prozessen strukturell verfestigt haben, werden so offengelegt und als öffentliche Angelegenheit wahrnehmbar gemacht.

Inhaltlich und visuell umfassend dokumentiert werden die biografische und die künstlerische Arbeit mit den Gefangenen, die Briefwechsel, die Interventionen im isolierten, öffentlichen und kulturellen Raum, Protokolle, Reflexionen und Ergebnisse des interdisziplinären Austausches mit WissenschaftlerInnen.

Als das Porträt einer Randgruppe fordert dieses Buch zur Auseinandersetzung mit dem Phänomen Outcast heraus, indem es das vielfältige Material, das in zahlreichen Projekten künstlerischer Forschung mit weiblichen Drogenabhängigen in europäischen Gefängnissen und Therapieeinrichtungen entstanden ist, ordnet und in einen Zusammenhang bringt. Die Bedingungen, die sich in sozialen Prozessen strukturell verfestigt haben, werden so offengelegt und als öffentliche Angelegenheit wahrnehmbar gemacht.

Inhaltlich und visuell umfassend dokumentiert werden die biografische und die künstlerische Arbeit mit den Gefangenen, die Briefwechsel, die Interventionen im isolierten, öffentlichen und kulturellen Raum, Protokolle, Reflexionen und Ergebnisse des interdisziplinären Austausches mit Wissenschaftlern.

Die Publikation reflektiert Aufgaben, Strategien und Handlungsformen von Museen und Ausstellungen aus der Perspektive der postkolonialen Museologie sowie der kritischen Migrations- und Regimeforschung. Die kritische Analyse der existierenden Ansätze soll Kuratieren als antirassistische Praxis denkbar machen.

Orientiert auf Handlungsmacht und auf die Schnittstellen zwischen sozialen Konfliktfeldern und kuratorischen Praxen, nehmen die Autoren das Verhältnis von Kämpfen für und gegen die Repräsentation von spezifischen Themen in den Blick. In diesem Sinne stehen Strategien des Talking Back ebenso im Fokus wie Kontaktzonen und Ansätze der Wiederaneignung.

Die Firma als Zelle des Wirtschaftens im Kapitalismus: in ihrer künstlerischen Forschung untersuchen Beatrix Zobl und Wolfgang Schneider den „geheimen Arbeitsalltag“ in einem metallverarbeitenden Industriebetrieb. Was lässt sich abseits von Zahlen und Karrieren über das Arbeiten sagen, über jene Tätigkeit, die einen Großteil unseres Lebens ausmacht?

In Fotografien, Videos und Interviews mit Arbeitenden suchen die beiden Künstler nach Zeichen und Strukturen. Zusehends wird dabei auch ihre eigene Tätigkeit als Arbeit sichtbar.

COMPANY. Fotografien und Fragmente über das Arbeiten bezieht sich auf den Ursprungssinn des Begriffes: auf die Kompanie, in der das Brot miteinander geteilt wird (lat. cum pane), letztlich also auf die Gesellschaft, deren Regeln vorgegeben sind und doch noch gestaltet werden müssen.

In vielen Verhaltensweisen verhält sich der Mensch immer maschinenähnlicher. Im Arbeitskontext ist der Mensch eine jederzeit austauschbare Human Resource geworden. Eine zwecklose Existenz ist ebensowenig vorstellbar, wie eine Maschine ohne Funktion absurd ist. Denkt der Mensch schon wie eine Maschine? Steht er inzwischen in einem „Sklavenverhältnis" zu ihr? Ist er nur noch organische Prothese am unorganischen Körper?

In seinen kreierten Roboterwesen bricht Niki Passath mit diesem scheinbar berechenbaren technologischen System. Durch das Beseitigen der vorherrschenden Zweckrationalität der Maschine gibt er dieser einen neuen Sinn.

Mit diesem Buch liegt die erste Monografie über das Schaffen des Künstlers vor. International renommierte Fachleute beleuchten die Vielfalt seines Werkes.

Hani Rashid, Mitbegründer des visionären New Yorker Architekturbüros Asymptote, leitet seit 2011 das Studio Hani Rashid in Wien. Das Programm zielt auf die Entwicklung konzeptueller und praktischer Fähigkeiten zur Schaffung zukunftsgerichteter Architektur: auf die experimentelle Untersuchung ihrer atmosphärischen, phänomenalen und optischen Effekte und Wirkungen, die intelligente Antworten auf gegenwärtige Fragen des Lebensraumes geben, sich zugleich aber einem "Machbarkeitsnachweis" unterziehen.

„Re: Futures" dokumentiert anhand von Texten, digitalen Visualisierungen und deskriptiven Architekturskizzen die in den letzten Jahren entstandenen Arbeiten und entfaltet so ein Spektrum von zeitgenössischen Entwurfsmethoden und zukunftsgerichteten Themen in der Architektur.

Unsere Welt besteht aus vielschichtigen Systemen, deren Komplexität kreative Verhaltensweisen fordert: Globale Umbrüche rufen unerwartete Veränderungen hervor, kreative Köpfe werden immer wichtiger, und so manche/r WissenschaftlerIn sieht darin unsere Lebensversicherung. Unsere Kinder sind das Team der Zukunft. Ihnen ist eine große Kreativität zuzuschreiben, da die reinen Fantasiewelten ein vertrauter Aspekt der Kindheit sind, in denen es nicht schwer fällt, Weltwissen einzusetzen, zu kombinieren und daraus neue Erfahrungen zu schöpfen.

Das vorliegende Buch ist eine Einführung in die Kreativitätsförderung von Kindern. Es geht der Frage nach, wofür die Gesellschaft Kreativität benötigt und wie diese Fähigkeiten, die jedem Kind innewohnen, zu entfalten sind.

Hanakam & Schuller sind Trickster. Als Künstler und Forscher gestalten sie die Regelwerke der bildenden Kunst um und bauen in Videos und Objekten an eigenwilligen Ordnungen und neuen Weltentwürfen.　Die Artefakte des in Wien lebenden Künstlerduos sind „Gestaltwandler", sie verändern ihre äußere Form und tauchen in unterschiedlichen Kontexten wieder auf.

Das Künstlerbuch Trickster macht auf mehrseitigen Bildstrecken aus Videostills und Produktionsaufnahmen das Werk anschaulich und gibt Einblick in das Making of. Der Essay Arkadikon entführt den Leser in zeitgenössische Ideallandschaften und dekonstruiert sie als moderne Surrogate einer zunehmend virtuellen Welt.　

Über Ideal, Pop, Aura und Verführung diskutieren die Künstler mit Angela Stief, Anselm Franke, Uta Grosenick, Annette Hünnekens, Wolfgang Ullrich, Lois Weinberger, Stephanie Weber und Oliver Zybok.

Das Buch versammelt ausgewählte Texte von Francois Burckhardt und erzählt damit die Geschichte eines kulturellen Abenteuers im Übergang von der Moderne zur Postmoderne. Berichtet wird von Erfahrungen und Tendenzen im Kulturbetrieb im Bereich von Architektur, Design und Kunsthandwerk in Frankreich, Österreich, der Tschechischen Republik, Deutschland und Italien.

Themen sind das Verhältnis von Geschichte zu Natur und den menschlichen Bedürfnissen; die Dialektik zwischen Globalisierung und Regionalismus; die Situation des Kunsthandwerks und die Aussichten für dessen Aufschwung; die Wiederentdeckung des Correalismus als Methode eines Planungsprozesses, der auf das Umweltgleichgewicht ausgerichtet ist, sowie verschiedene Interpretationen des funktionalistischen Konzepts.

[a]FA ist ein Lab des Instituts für Architektur an der Universität für angewandte Kunst Wien, in dem räumliche, infrastrukturelle, ökologische und kulturelle Phänomene der Sub-Sahara untersucht werden. Jedes Projekt ist transdisziplinär und transkulturell konzipiert.

Das Buch dokumentiert drei Projekte, die in den Jahren 2011-2015 durchgeführt wurden: GUABULIGA _ WELL BY THE THORN TREE / ON OTHER PLANNING (( kursiv)) im Norden Ghanas, STAGING APAM / ON OTHER ARCHITECTURE an der Atlantikküste Ghanas, und LUBUNGAMODE / ON OTHER ARTISTIC RESEARCH in Kisangani, DR Kongo. Es zeigt die Projekte in ihrem Entstehungsprozess und Kontext und bettet sie in aktuelle Diskurse ein: renommierte Experten aus Architektur, Kunst, Theorie und Stadtsoziologie nehmen Stellung.

Wegerer wurde durch seine grafischen Papierskulpturen, Rauminstallationen und interdisziplinären Ausstellungsprojekte international bekannt. Die Publikation stellt einen Querschnitt durch sein künstlerisches Schaffen dar: Beginnend mit den neuesten grafischen Arbeiten und Ausstellungen, erschließt sie die Entstehungsprozesse und künstlerischen Konzepte der Arbeiten thematisch und diagrammatisch.

Abbildungen von Arbeiten und spezifisch für die Publikation entworfene Bildstrecken werden Essays und Textbeiträge von Autorinnen und Autoren aus Kunst, Philosophie und Musik kontrapunktisch entgegengesetzt. Zwei geladene Künstlerinnen, Judith Unterpertinger und Barbara Höller, haben sogar visuelle Interventionen als Antwort auf die gestalterische Position des Künstlers entworfen.

An der Bibliothek der Universität für angewandte Kunst Wien wird seit 1994 eine Sammlung von Künstler_innenbüchern aufgebaut. Diese Studiensammlung ist als stilistisch vielfältige und vor allem benutzbare Kollektion von Vorbildern angelegt und umfasst ca. 5000 Werke.

Sammlungskriterium ist die realisierte Absicht eines Künstlers, einer Künstlerin, das Buch als künstlerisches Medium einzusetzen. Als Manifestation einer künstlerischen Idee erweist sich das Buch als autonomes Kunstwerk. So finden sich in der Sammlung unterschiedliche Buchobjekte, von der „Lesemaschine" bis zum Katalog.

Die Publikation dokumentiert Beispiele aus Konzeptkunst, Fluxus, Konkreter Poesie, Appropriation oder Minimal Art und zeitgenössischer Kunst und präsentiert so zugleich ihre Sammlungs- und Themenschwerpunkte.

ManfreDu SCHU agiert als Künstler jenseits aller traditionellen Genres. Seine stark performativ und philosophisch geprägte Kunst materialisiert sich als Musik, in Installationen, Performances und Malerei; sie vereint die Biologie mit den Ritualen der Musik und der Mode. Seine Installationen dekonstruieren das Leben als performatives Ereignis ebenso wie die Klischeehaftigkeit der Sexualität.

Auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen thematisieren viele seiner Werke die Widersprüche des Lebens, unausgesprochene Tabus des Menschseins und die Doppelleben, die wir alle führen.

In außergewöhnlich hochwertiger Ausstattung bietet diese erste Monografie einen umfassenden und konkurrenzlosen Überblick über das vielgestaltige künstlerische Werk ManfreDu Schus.

Die Beiträge dieses Buchs sind einem Phänomen auf der Spur, das widersprüchlich anmutet: Wir, Computernutzerinnen und User, sind im digitalen Raum in alle Ewigkeit wiederzufinden. Man will einerseits wahrnehmbar, andererseits doch nicht gleich wiedererkennbar sein, sich nicht an eine unüberschaubare Öffentlichkeit ausliefern, gar das Gesicht verlieren.

Das Buch dokumentiert künstlerische und andere Strategien, die Möglichkeiten aufzeigen, im unendlichen Buch der Gesichter zu erscheinen und sich dabei doch jeglicher Erfassung zu entziehen. Der Wunsch, kein bloßes Objekt des facialen Ausverkaufs zu werden, bleibt dabei nicht bloß ein ästhetisches Unterfangen. Die Beiträge formulieren auch kämpferische wie ironische Ansagen gegen eine digitale Dynamik, die unseren Alltag längst erreicht hat.

Die Kunstpädagogik und Kunstvermittlung waren stets mit gesellschaftlichen und sozialen Veränderungen konfrontiert. Aktuell stehen wir vor historischen Herausforderungen und Phänomenen, mit denen wir nie gerechnet hätten: die globale Finanzkrise, die massiven Migrationsströme und die Durchdringung des Alltags mit neuen Technologien. Kreative Kompetenzen sind notwendig, um disziplinäre Grenzen zu überwinden und in einer diversen Gesellschaft gleiche Chancen auf Bildung zu ermöglichen.

Die Publikation diskutiert kritisch die Rolle von Kunst- und Designvermittlung inmitten dieses gesellschaftlichen Wandels – anhand von theoretischen Reflexionen, praktischen Erfahrungen und empirischen Analysen.

Das Fluide ist ebenso ein Phänomen wie eine Materialeigenschaft. Von besonderem Interesse ist, wie Aspekte des Fluiden den aktiven und direkten Umgang mit Materialien beeinflussen und wie sich seine charakteristischen Züge in experimentelle Praxen und Denkmuster einschreiben.

Der Antrieb der Auseinandersetzung mit dem Fluiden als Garant des Werdens und als Bedingung jeglicher Prozessualität stammt aus dem Kunst-basierten Forschungsprojekt „Liquid Things". Aufgrund des weitreichenden Spektrums des Themas wurde der Ansatz zu einem transdisziplinären Projekt ausgeweitet: Mit dem Ziel einer Grammatik der beweglichen Materialien lotet das Buch unter Einbeziehung von Wissenschaftstheorie, Hydrodynamik oder Kulturwissenschaften die Rolle des Fluiden in Erfahrungs- und Erkenntnisprozessen aus.

Die zunehmende Akkumulation von Menschen in geschichtslosen Wohnmaschinen, die Herausforderungen durch Migration und Platzmangel aktualisieren den Bedarf für ein neues Denken und Handeln in öffentlichen Räumen. SUPERSUIT ist ein interdisziplinäres Experiment an der Grenze zwischen Mensch und Raum. Er ist ein Werkzeug für poetische Interventionen in unterschiedlichen urbanen Situationen, lädt zur Partizipation ein und hinterfragt die Beziehung von Mensch, Raum und Stadt in sinnlicher Form.

Als Marker öffentlichen Raumes antworten die spontan entstehenden Formen des SUPERSUIT unmittelbar auf Parameter des urbanen Kontexts. SUPERSUIT ermöglicht über performative Interventionen die Veränderung aktueller Designprozesse und die Konzeption neuer Mensch-Material-Konstellationen.

Der reich illustrierte Band präsentiert eine Auswahl der rund 8.000 Objekte umfassenden Kostüm- und Modersammlung der Universität für angewandte Kunst Wien. Aufbauend auf der historisch gewachsenen Sammlung, der Fachbibliothek und Lehre, hat sich die Sammlung zu einem hochqualifizierten „University Museum" für Bekleidung entwickelt.

Der Bogen spannt sich von der Alltagskleidung bis zu exklusiver Haute Couture. Die ältesten Stücke stammen aus dem 18. Jhdt., die neuesten Erwerbungen reichen bis in die Gegenwart, unter ihnen Objekte u.a von Fred Adlmüller, Gertrud Höchsmann, Karl Lagerfeld, Helmut Lang, Adele List, Raf Simons und Bernhard Willhelm. Anhand von Textbeiträgen und rund 200 großartigen Fotografien von Christin Losta wird die Sammlung umfassend präsentiert.

Der Garten des Fürsten Orsini hat alles: Abenteuer, Geheimnisse, Monster, Fabelwesen, wunderschöne Göttinnen, halb oder ganz nackt, an zauberhaften und unheimlichen Orten. Ein erlesen verführerisches Sammelsurium aus antiker Weisheit und verbotenen zeitgenössischen Quellen. Seinerzeit war der Garten, „der nur sich selbst und nichts anderem gleicht", als Aufstand gegen das Establishment berüchtigt, und noch heute sind Vicinos geistvolle Zoten dazu angetan, den Einzelnen zur Besinnung zu bringen und von der Tyrannei der Political Correctness zu befreien.

Das Buch ist Resultat einer langjährigen Forschung: es enthält unveröffentlichtes Material, aktuelle Fotos, neue Übersetzungen der Briefe des Fürsten Orsini und bietet neue Erkenntnisse durch Zugang zu allen Regionen des Heiligen Waldes.

Das Werk bietet einen umfassenden Überblick über das Schaffen des österreichischen Bildhauers Roland Reiter zwischen 2001 und 2016. Reiters Arbeitsweise ist nicht zuletzt im Persönlichen verankert. Der Künstler bearbeitet, sublimiert, vergröbert und dramatisiert aber auch Erfahrungen, die er auf seinem Lebensweg machte.

Seine Kunst kalkuliert nicht kühl, vielmehr ist das emotionale, "ausdrucksvolle" Moment eines ihrer Kennzeichen. Reiter kombiniert Materialien, die klassischerweise nicht zusammenpassen, sich gegenwartskunsttechnisch aber doch wieder ergänzen. Dadurch erzeugt er eine Art von Spannung, die einen eigenen Voyeurismus zu bedienen weiß. Man könnte paradoxerweise sagen: Fasziniert wende ich mich ab. Oder: Befremdet und distanziert wende ich mich zu.

Staatspreis, Schönste Bücher Österreichs 2016

Ferdinand Schmatz ist Schriftsteller und Professor und Leiter des Instituts für Sprachkunst an der Universität für angewandte Kunst in Wien. Sein neues Buch enthält Essays zu dichterischen Werken und künstlerischen Arbeiten, die intensiv den Umgang mit Sprache pflegen. Das gilt auch für die Schreibweise des Autors, der eigenwillige Positionen in Dichtung und Kunst aufspürt und diesen in einer entsprechenden Schreibweise nahe zu kommen versucht.

Alles, auch der Essay, ist Versuch, Versuchung, Verführung. Diese Essays führen den Leser in die Wissens- und Erfahrungswelten von Dichtung und Kunst: anhand von Autoren und Künstlern, die kanonisierte Schaffensweisen erweitern und radikal Stellung beziehen, unter ihnen H.C. Artmann, Elke Erb, Franz Josef Czernin, Patrick Pulsinger und Tobias Pils.

Die Publikation versammelt die Ergebnisse des künstlerischen Forschungsprojekts DIGITAL SYNESTHESIA (2013-2016) und stellt erstmals ein umfassendes Kompendium zum Begriff der "Digitalen Synästhesie" dar. "Digitale Synästhesie" umfasst ein völlig neues Konzept der digitalen Künste im 21. Jahrhundert, das die multimediale, auf dem binären Code basierende Ästhetik der digitalen Kunst mit der Multimodalität von Synästhesie als Wahrnehmungsform verbindet.
Unter dem Begriff "Digital Synesthesia" geben die Herausgeberinnen diesem neuen Phänomen nicht nur einen Namen. Texte renommierter Medien- und Kunsttheoretiker, Medienkünstler und Neurowissenschaftler vermitteln spannende Einsichten in die Erforschung der synästhetischen Wahrnehmungsmöglichkeiten von multimedialen digitalen Kunstwerken.